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Portrait – Reihe

Schauspielerinnen / Sänger / Musikerin / Schriftstellerin / Komponistin

The man that hath no music in himself –    nor is not moved with concord of sweet sounds,  is fit for treasons  
 (Shakespeare – Merchant of Venice, V,I,83)

 

Portrait - Reihe dans Musique elzbieta-sikora-150x150 E. Sikora    2008.04-214x300-150x150 dans Musique U.  Brand

acceuil_anne_200-150x150 A. Haybel      antonia-bosco2-150x150 A. Bosco

marcello-nardis-portrait-150x150 M. Nardis morandini-150x150 G. Morandini

conc_st_germ_laye-150x150 Duo Pezzolo-Giosmon

 

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Antonia Bosco – une « Mezzo » sans frontières

Comedienne et chanteuse lyrique italo-française

Antonia Bosco - une

Antonia Bosco est née en Italie (Calabre). Sa formation musicale commence à Metz au Conservatoire de Musique et après à l’École Normale de Musique et Théâtre à Paris. Véritable « touche-à-tout », elle mêle sans peur et avec un égal talent : lyrique, théâtre, chants, ballet et monologue.

Son répertoire englobe Carmen, la baronesse Métalla dans « la Vie Parisienne », l’enchanteresse acrobatique, « hi-tech » et méchante dans « Didon et Enée » de Purcell jusqu’aux classiques comme  l’Antigone de Sophocle et l’Andromaque de Racine. Elle interprète la mère dans les « Noces de Sang » de Garcia Lorca et la nourrice et le chœur dans Médée d’Euripide (musique de Bill Mahder).

Avec sa compagnie AB Partage et Culture, elle crée Stabat Mater Furiosa (J-P Siméon, musique de B. Gillet, m.e.s. P. Pezin) à la Fondation Royaumont, au Maroc, en Espagne et en Algérie.

En 2009 Antonia Bosco rend hommage à Jacques Brel et en 2010 elle découvre les « Russes »  et interprète « Mon Pouchkine » de Marina Tsvetaïeva (trad. A. Markowicz, m.e.s. G. Freixe – création), des extraits d’Eugène Onéguine (Tchaïkovski) et des poèmes de M. Tsvetaïeva mis en musique par Chostakovitch.

En 2013 – elle joue le rôle titre dans la « Mère Courage » de Bertolt Brecht à Cergy.

Quand elle ne joue pas dans une représentation, elle va quand même au théâtre ou à l’opéra….. comme spectatrice, à Paris, où elle vit.

Sa devise va plus loin que le:   »Il n’y a pas de théâtre sans poésie » de Laurent Terzieff. Pour elle il n’y a pas de théâtre sans poésie, mais aussi sans chant, action, sentiments, public, amis  …….

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liens:

Mon Pouchkine

Didon et Enée

 

La musique, c’est du bruit qui pense (Victor Hugo)

sanlorenzo-figuratif-008-150x150  »l’acrobate »:  Album Street Art San Lorenzo

 

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Portraits

Anne Haybel – comedienne

Antonia Bosco – Mezzo / comedienne

Ulrike Brand – Cellistin

Giuliana Morandini – Schriftstellerin

Marcello Nardis – Tenor

Elzbieta Sikora – compositeur contemporaine

Isabelle Huchet – Scénographe et Romancière

Hannsjörg Voth – Projektkünstler (Portrait für KULTURA EXTRA)

June Papineau – Installationskünstlerin für KULTURA EXTRA

Helena Aikin – walkable labyrinths für KULTURA EXTRA

Christa Linossi  – Fotokünstlerin

Tiziana Morganti  – Künstlerin für KULTURA EXTRA

Paco Barón – Bildhauer

Gerardo Aparicio – spanischer Künstler

 Antonio Passa

Riccardo Santoboni – Komponist

Guillermo Lledó – Minimalist

Paola Romoli Venturi

Cristina Crespo

Schirin Fatemi

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work in progress/prossimamente/prochainement:

Cesar Borja

Abderrahman Meliani

Anna Romanello

Emanuel Borja

 

 

 

 

Zitate zu Oper – Theater – Musik

Hohe Bildung kann man dadurch beweisen, dass man die kompliziertesten Dinge auf einfache Art zu erläutern versteht. GBS

George Bernard Shaw

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 - The man that hath no music in himself
     nor is not moved with concord of sweet sounds,
     is fit for treasons      (Shakespeare – Merchant of Venice, V,I,83)

- Ohne Musik wäre das Leben ein Irrtum (Nietzsche)

- Immer, wenn es in der Oper erotisch wird, muß das Cello her. Deshalb ist « Tristan » die Cello-Oper par excellence. (Siegfried Palm deutscher Cellist )

- Es ist nicht schwer, zu komponieren. Aber es ist fabelhaft schwer, die überflüssigen Noten unter den Tisch fallen zu lassen (Brahms).

- La musique, c’est du bruit qui pense (Victor Hugo)

- Das älteste, echteste und schönste Organ der Musik, das Organ, dem unsere Musik allein ihr Dasein verdankt, ist die menschliche Stimme.
Richard Wagner (1813-83)

- Se, come quasi sempre accade, la musica sembra esprimere qualcosa, questa è soltanto un’illusione. (Stravinskij – Autobiografia)

- Ravel: Das ist keine Musik, das ist Mathematik – beim Hören der Musik von Schönberg

- Un chanteur d’opéra, c’est un type qui reçoit un coup de couteau dans le dos et qui, au lieu de saigner, se met à chanter (Henri Jeanson)

- Chi sa fare la musica la fa, chi la sa fare meno la insegna, chi la sa fare ancora meno la organizza, chi la sa fare così così la critica (Pavarotti)

- If this word « music » is sacred and reserved for eighteenth and nineteenth century instruments, we can substitute a more meaningful term:  organization of sound.  (John Cage)

Calderón de la Barca « El gran teatro del mundo » – extrait:

AUTOR: Y para que desde ti
a representar al Mundo
salgan, y vuelvan a entrarse,
ya previno mi discurso
dos Puertas: la una, es la Cuna;
y la otra, es el Sepulcro (237-242)

und Demokrit drückt es so aus: « Die Welt eine Bühne. Das Leben ein Auftritt. Du kommst, siehst, gehst (ab) ».

 

 

 


Je mets ensemble les notes qui s’aiment.

Je mets ensemble les notes qui s’aiment.

- Je Je mets ensemble les notes qui s’aiment.mets ensemble les notes qui s’aiment.

Bühne

Seite:  Hans-Werner Henze

 

Bühne opera21

Antonia Bosco – Mon Pouchkine

Théâtre musical : Mon Pouchkine

Antonia Bosco au Kremlin-Becêtre

Dans le cadre du festival « Russenko » Antonia Bosko présente un hommage à la Poétesse lyrique, Marina Tsvétaïéva qui a quitté Moscou en 1922 – à l’age de seize ans pour une période de 18 années.

Antonia Bosco - Mon Pouchkine CesarBorja-2612-112x150 artiste: Cesar Borja

Souvenirs de la Russie : Antonia Bosco est rentrée avec une grande intensité dans la peau de Marina Tsvetaïeva – pour moi une découverte – qui nous parle dans ce texte de son enfance et surtout d’une rencontre décisive avec le poète Pouchkine au cours de laquelle elle décide de devenir elle-même poète. Il devient son mentor secret. La première rencontre avec la « statue Pouchkine », son voyage à la mer. Elle découvre la hiérarchie quand elle dépose sa poupée au pied de la statue Pouchkine.

Une promenade accompagnée par Damien Lehman au piano qui interprète les musiques de Tchaïkovski (Eugène Onegine), Prokofiev, Rachmaninov, Chostakovitch. Antonia – avec sa belle voix de mezzo – chante et raconte et nous oublions où nous sommes. Peut-être à côté de la statue Pouchkine, peut-être en voyage vers la mer? Bravo !

Dans le corps : – en exil
Extrême. Déperdition !
Dans le corps : – dans un mystère,
Sur les tempes : – dans l’étau.
Du masque de fer.
(Extrait, 1925, Marina Tsvetaïeva , l’offense lyrique, Présentation Henri Deluy, éditions fourbis, page 147)

En 1939, elle décide de retourner à Moscou. Dans une lettre à son amie Anna Teskova elle dit : « Ici, je suis inutile, là bas je suis impossible » La dernière décennie de sa vie, les poèmes sont rares. Marina lorsqu’elle retourne en URSS, en 1939, semble aller de façon consciente vers la mort. En 1941, elle n’est plus la poètesse, celle qui écrivait en 1926 à Rilke « toute mort de poète, même la plus naturelle est contre nature, c’est à dire un meurtre ».

Elle se pend.

Oreilles obstruées,
Et mes yeux voient confus.
A ton monde insensé
Je ne dis que : refus.
(extrait de mars, 1939, Marina Tsvetaïeva , traduction de Pierre Léon

Christa Blenk

Didon et Enée

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Didon et Enée de Henry Purcell à Velizy

metteur en scène: Denis Chabroullet

Direction musicale: Jean-Marie Puissant

Ensemble Instrumental Baroque

Clavecin Hélène Dufour

«Men must endure their going hence even as their coming hither. Ripeness is all. Come on

William Shakespeare

« Il existe un lieu que les dieux nomment Hespéride, terre antique, puissante par ses armes et la fécondité de son sol » (Virgile, Eneide)

Le calme après la tempête et avant la tempête.

Le rideau se lève. Première impression. No future! Désespoir!

Une île? Un bateau? Le rogaton d’une civilisation? La brume. L’eau recouvre toute la scène du début à la fin du spectacle. Un corps (Enée ou Anchise son père?) flotte, entouré de centaines de bougies. Les musiciens arrivent et prennent leur place en haut – hors de l’eau – en sécurité. Deux personnes arrivent en tenue élégante équipés d’écouteurs. On comprendra plus tard qu’il s’agit des délégués de l’enchanteresse, dont ils reçoivent les ordres.

Les musiciens commencent a accorder leurs instruments – d’époque -. Jean-Marie Puissant expliquera plus tard que les spectateurs doivent faire leur travail et chercher eux-même les tons – la salle est peut-être trop grande pour cet opéra mais après 10 minutes ça ne gêne plus. Le spectateur a trouvé la solution et a réussi à entrer dans la pièce. Le silence s’installe.

 

Voila Belinda qui arrive, très bien Mayuko Karasawa. Pour moi elle a les plus beaux airs de cet opéra. Jeune et débordante d’énergie et de gaité. Elle soutient et conseille Didon – fondatrice de Carthage. On se rappelle qu’après sa fuite de Tyr, entourée de Phéniciens, elle avait accosté en Afrique du Nord, à l’emplacement de Carthage. Arrivent successivement , dans un énorme remue-ménage d’eau, d’éclaboussements, le chœur, les deux nymphes qui ne quitteront plus la scène, et enfin Didon – triste, mélancolique et souffrante -(Anne Rodier, jeune, touchante et pleine de sentiments). On apprend qu’elle est troublée et attirée par Enée. (« Ah Belinda. I am pressed with torment … ») Belinda lui assure qu’Enée partage les mêmes sentiments (« Fear no danger to ensure, The Hero Loves as well as you…). Enée (bien, Thill Mantero) sort du brouillard (ou de l’eau qui a pris une teinte rouge maintenant). Suit une très jolie scène dans laquelle Belinda encourage Enée à s’approcher de Didon. Elle sautille comme une jeune fille qui attend la fête.(!Pursue thy conquest, love »…). Didon et Enee se manifestent mutuellement leur amour. Joie!

Avec l’arrivée de l’enchanteresse qui descend en ascenseur dans une nuée d’étincelles, tout le monde se retrouve sur scène et l’ambiance commence à se dégrader. Chantée et jouée par Antonia Bosco, qui – à part sa belle voix de mezzo est une acrobate – Bravo! La sorcière dévoile une stratégie pour détruire le bonheur de Didon (« Wayward sisters ….. « ). Mercure, sous l’apparence des sous-sorcières, lui ordonne de quitter Carthage, et lui rappelle son destin qui est de fonder une nouvelle ville – Rome-. J’ai beaucoup aimé l’entrée des deux sous-sorcières/esprit dans leur robe/peau écarlate à deux têtes qui évoquait la fourche du Diable.

La tempête, commandée par les deux sorcières se déclenche alors que Didon et Enée avec tout le cortège, dans les champs, font la fête dans de joyeux éclaboussements (« So fair the game….. ). Enée comprend qu’il doit obéir aux ordres des dieux et partir. Désespéré, malheureux, il part à la conquête de son destin. Didon, inconsolable, décide de mettre fin à ses jours.

La mort de Didon est véritablement touchante. Anne Rodier chante couchée dans l’eau, presque sous l’eau. Belinda, au sec sur les marches de l’échelle, se penche pour lui donner la main pendant qu’elle chante « thy hand, Belinda, .. ».

Le lamento de Didon est sûrement l’un des plus célèbres chants de deuil du monde de l’opéra.

L’idylle avec Didon n’occupe qu’une brève étape narrée du chant IV de l’Eneide de Virgile du long périple d’Enée.

Purcell naît à Londres en 1659 dans une famille de musiciens, peu après la fin de la dictature puritaine de Cromwell. Dans un premier temps suiveur du style de l’opéra tragi-comi-lyrique de Lully, il le distance quand il compose Dido et Enee. Les airs sont innovateurs et expressifs – très loin du pathos solennel de Lully.

Quand Didon et Enée fut représenté pour la première fois en 1689 à la Chelsea Boarding School for Girls, ce ne fut pas un succès. C’est dans les année 50 que Benjamin Britten a repris cette œuvre et dirigé à Londres une représentation remarquable avec Kirsten Flagstad et Elisabeth Schwarzkopf.

Au 17 siècle l’opéra était la musique populaire. A l’époque la forme était aussi importante que le contenu. Le baroque s’est émancipé de la stricte loi chant-instrument. M. Chabroullet a développé une mise en scène très originale, pleine de mouvements, de fraicheur et d’idées en utilisant des moyens conformes à la technique qui était disponible à l’époque baroque. C’est sûrement la plus singulière mise en scène qui m’a été donné de voir.  (Sasha Waltz a mis en scène en 2005 un Didon et Enée dans un aquarium. Ce n’est pas étonnant que les réalisateurs soit inspirés par l’eau étant donnée l’importance de l’eau dans la poèsie épique! – Merci Thomas!!!). Dans un décor pas du tout baroque, c’était très baroque. Une liberté de création manifeste, à l’image de ce qu’on peut très bien imaginer au XVIIème siècle. En outre, les musiciens ont bien profité de la pratique d’improvisation qui avait cours à cette époque.

La qualité de la mise en scène a compensé les voix parfois un peu faibles mais en tout cas très correctes. Les chanteurs étaient tous aussi des danseurs et des acrobates émérites.

Nous avons été enchantés, et gratifiés d’une nouvelle perception de l’oeuvre. Merci.

l

 

 

Christa Blenk, assistée par JN Pettit


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