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MUSIK.IN.SOPHIEN

SanLorenzo Street Art
Street Art Rom

 

Karfreitagskonzert in der Sophienkirche

Der Organist und Leiter des Ensembles Maximilian Schnaus beginnt den Konzertnachmittag mit einem Auszug aus dem Orgelwerk „Zeichen“, das Dominik Susteck (*1977) 2016 komponierte.  Das komplette Werk dauert 31 Minuten und ist eine Auftragskomposition des Bistums Essen für die Bischöfliche Kirchenmusikschule. Zeichen besteht aus den Sätzen:  Morse – Funkfeuer – Schatten – Echos – Signal – Geister. Schnaus hat die Teile Schatten und Echos daraus gespielt.  

Der Komponist selber sagt darüber:
Der „Schatten“ ist mehrdeutig. Huschende Töne, Tonballungen oder hängende Töne bilden sich. Nach den tiefen, geräuschhaften Tönen zu Beginn entwickelt sich die Musik zu einem strahlenden, insistierenden Akkord.
Die „Echos“ stellen eine Suche nach einem Gegenüber dar. Es entsteht ein motivischer Dialog zwischen Hauptwerk und Schwellwerk. Manchmal verhalten sich die Töne in freier Variation zueinander. An anderer Stelle ordnen sie sich als Wiederholung ein.

Dann verlässt Schnaus seinen Platz an der Orgel und übernimmt die Leitung für Arvo Pärts großartige Komposition „Stabat Mater“. Es ist ein delikates, sehr zartes und sehr hohes Werk, tiefgründig, transzendent und religiös. Manchmal mutet Pärts Musik wie aus dem Mittelalter kommend an, in dieser Epoche entstand auch das anonyme Gedicht „Stabat Mater“. Es beschreibt den Schmerz, den die Mutter Jesu um den gekreuzigten Sohn empfindet. Es gibt unterschiedliche Versionen des Textes und unzählige Vertonungen dieses Werkes. Eines des bekanntesten und meist gespielten ist das Stabat Mater von Pergolesi.

Das ausgezeichnete Amateur-Streicherensemble „Cappella am Weinberg“  geht in Pärts spiritueller Musik auf, lässt ihn sprechen und als dann die Sopranistin plötzlich einsetzt, gleicht das einem überraschenden Ur-Schrei, der lange zurückgehalten worden war und nun endlich raus darf. Jetzt kann sich niemand mehr dem Bann entziehen. Das Stück verlangt viel Einfühlungsvermögen der Musiker und der Solisten (Rachel Fenlon, Sopran; Corinna Scheurle, Mezzo; Joseph Schnurr, Tenor). Sie haben das vorzüglich gemeistert.

Der Text des Stabat Mater besteht aus zehn Strophen. Vier Textgruppen des liturgischen Gedichtes werden durch instrumentale Zwischenspiele von einander abgesetzt. Umrahmt ist das Werk von einem langen Amen am Anfang und am Ende des Stückes.  Mehr kann man nicht geben, als die Interpreten dies gestern getan haben. Man wird mitgerissen, taucht ein in diese Pärt-Karfreitags-Welt. Gänsehaut überall. Schnaus hält am Ende die Stille sehr, sehr lange und das Publikum wartet geduldig. Dann Applaus!

1985 entstand Pärts Stabat Mater als Auftragswerk der Alban Berg Stiftung. Diese gab aus Anlass des 100. Geburts- und 50. Todesjahres Alban Bergs zehn Streichtrios in Auftrag. Pärt schlug eine Vokalkomposition für drei Vokalisten und Streichtrio vor und konnte es umsetzen. Am 30. Oktober 1985 wurde das Werk in Wien uraufgeführt. Es dauert knapp 25 Minuten. Würdig, tief und erschütternd kommt es wie ein Dialog zwischen Sängern und Streichern daher. 2008 hat Pärt eine weitere Version für gemischten Chor und Orchester erstellt.

Der Este Arvo Pärt (*1935) ist ein Vertreter der neuen Einfachheit. Pärts musikalische Erziehung begann bereits mit sieben Jahren. Mit 14 schrieb er seine erste Komposition. Nach seinem Musikstudium arbeitete er als Tonmeister beim estnischen Rundfunk. Anschließend lebte er als freischaffender Komponist in Tallinn. Sein Frühwerk ist von der russischen Musiktradition geprägt, später sollte er sich davon aber absetzen, Pärt erste Zwölftontechnik-Musik entstand 1961 und stieß – ebenso wie seine stark religiös geprägten Werke, auf Kritik, vor allem bei den Musikverantwortlichen in der früheren Sowjetunion. Nach einer Pause Ende der 1960er Jahre begann er, sich für die Musik des Mittelalters zu interessieren. Ein paar Jahre später konvertierte der ehemalige Lutheraner zur russisch-orthodoxen Kirche. 1980 ging er ins Ausland, nach Wien, und wurde Österreicher, später nach Berlin. Die Spirituelle, geistlicher Musik der Gegenwart ist ohne ihn gar nicht denkbar.

Die junge Sopranistin, Pianistin und Komponistin  Rachel Fenlon ist Absolventin des Young Artist-Programm der Vancouver Opera und des Rossini Opera Festivals in Pesaro und gastiert an vielen Opernhäusern. Bei Liederabenden begleitet sie sich gerne selber am Klavier.

Die Mezzosopranistin Corinna Scheurle ist Mitglied im Opernstudio der Staatsoper unter den Linden und wechselt in der kommenden Spielzeit zum Ensembles der Bayerischen Staatsoper. 2017 war sie Preisträgerin des Gasteig Musikpreises.

Der Tenor Joseph Schnurr studierte u.a. an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“. Er tritt auf verschiedenen Bühnen weltweit und als Evangelist im Weihnachtsoratorium und den großen Passionen Bachs auf.

Die Cappella am Weinberg wurde 2015 gegründet. Ihr Repertoire besteht vor allem aus Kirchenmusik aus dem 17. und 18. Jahrhundert. Die Leitung haben Anne Sommer-Bloch und Maximilian Schnaus.

Christa Blenk

 

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Emil Nolde – Eine deutsche Legende

Nolde im Hamburger Bahnhof

 

Die Freuden der Pflicht

Schon der Schrifttyp des Ausstellungsplakats zeigt, worum es hier eigentlich geht.

Dass der Maler Emil Nolde nicht zum Widerstand gehörte, war immer klar. Klar war auch, dass er in der Partei war und nie mit dem Gedanken spielte, Nazi-Deutschland zu verlassen.  Auch seine Sympathie für das Regime war bekannt, obwohl er zu den Künstlern gehörte, die am meisten den Stempel „entartet“ aufgedruckt bekamen und er mit einem sogenannten Malverbot belegt wurde.  All diese Informationen wurden in der letzten Zeit  verstärkt und gefestigt, da seit dem Jahre 2013  ein Archiv in Seebüll den Zugang zu knapp 30.000 Dokumenten aus dem Nolde Nachlass ermöglichte, was eine intensive Auswertung seiner Person und Kunst und eine Änderung seiner Biografie mit sich brachte.  Einer der größten deutschen Expressionisten war ein Antisemit und ein Vorkämpfer gegen die angebliche jüdische Dominanz in der deutschen Kunst.

Die Ausstellung im Hamburger Bahnhof zeigt nicht nur viele weniger bekannte Werke, zum Teil als Reproduktionen, sie dokumentiert auch anhand von Briefen und Fotos einen verbissenen, unsympathischen und opportunistischen Nolde und wirft die Frage auf , wie  das Nazi-Deutschland seine Kunst veränderte bzw. beeinflusste.

 

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Das Bild in der Münchner Ausstellung (Foto in der Ausstellung)

 

Im ersten Saal hängt das Gemälde „Verlorenes Paradies„. Es entstand 1921, misst 106 x 157 cm und gehört der Nolde Stiftung Seebüll. Ein großartiges Hauptwerk. Farbenprächtig, primitiv, ironisch und dümmlich blicken Adam und Eva aus der « nackten » Wäsche. Sie sitzen – wohl vor dem Paradies – links und rechts einer grün-lila züngelnden Schlange und verbreiten eine „no future“ Stimmung.  Im Hintergrund ein fletschender Löwe. Das Bild ist ein Paradebeispiel für Entartung in der Kunst. Auch das heftige Gemälde „Die Sünderin“ (1926) ist zu sehen. Es zeigt seinen harten, sehr eigenwilligen Expressionismus. Dieses umwerfende, biblische, Bild gehört der Berliner Nationalgalerie. In dieser Zeit malte Nolde mehrere religiöse Bilder und griff immer wieder auf Bibelmotive zurück. Dies änderte sich schlagartig 1934. Ab dieser Zeit malte er primitive Wikinger und blonde Krieger aus altdeutschen Legenden oder mythische Opferszenen, auch um den Nazis zu gefallen. Dass die Nazis diese primitiven, blonden Anti-Helden nicht mochten, hätte er eigentlich erkennen oder wissen  müssen. Dass er sie trotzdem gemalt hat zeigt, dass er eben doch, dass er ein großartiger Künstler war, der wenigstens seinen künstlerischen Werdegang nicht verleugnen konnte. Das Aquarell „Gaut der Rote“ entstand in der Zeit des Malverbots und wird mit anderen Werken aus der Serie in der Ausstellung gezeigt. Aus Seebüll kam auch das Aquarell „Altes Bauernpaar“ (1942). Es misst nur knapp 22 x 16,5 cm und strahlt Armut und hartes Landleben aus. Das Aquarell „Herrin und Fremdling“  diente ihm wohl als Vorlage für das Gemälde  „Nordische Menschen“.

Seine ungemalten Bilder, kleinformatige Aquarelle, hat er angeblich nach dem Malverbot heimlich gemalt. So genau stimmte das aber nicht, denn schon vor 1934 entstanden große Gemälde auf der Basis von Aquarellen.

Am Schluss der Ausstellung hängt das Bild « Brecher“. Ein beeindruckendes, wildes, tosendes Wellenbild in grau-blau mit brennendem Nolde-Himmel.  Es hing bis vor kurzem im Bundeskanzleramt.

Seine persönliche Legendenbildung begann dann auch gleich nach dem Krieg. Nolde wurde zum Opfer und seine Ideologien heruntergespielt. Unterstützt hat dies der Roman von Siegfried Lenz‘ Roman „Deutschstunde“, der 1968 erschien und aus Nolde einen Dissidenten, einen Geschädigten machte, der nicht mehr malen durfte und dies vom Dorfpolizisten überwacht werden musste. Nolde selber frisierte seine Biografie und entfernte alles was « politisch nicht korrekt » war. Bemerkungen über den Galeristen Paul Cassirer oder mit Max Liebermann zeigten seinen Antisemitismus schon früh, lange bevor die Nazis an die Macht kamen.

Ein wichtiger Teil der Ausstellung ist die Nachbildung von Noldes Bilderzimmer in Seebüll. Die Werke hängen genau so, wie der Künstler sie 1941 selber angebracht hatte. In diesem Jahr wird Seebüll an der dänischen Grenze der Hauptwohnsitz der Noldes, auch weil in Berlin immer mehr Luftangriffe stattfinden. Viele religiöse Bilder aus den Jahren bis zum Ende des ersten Weltkrieges fehlen, dafür ist die nordische Thematik gut vertreten.

 

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Nachbildung seines Bilderraumes in Seebüll

 

Diese Werkschau setzt eine Reihe von Ausstellungen mit Werken der Neuen Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof fort. So wurden seit 2015 Werke von Kirchner, Belling und Mueller gezeigt, denn auf Grund der langwierigen Umbauarbeiten des Mies van der Rohe-Baus, liegen all diese Schätze im Keller.

Nolde trat 1906 der Künstlergruppe Brücke bei und lernte dort Kirchner, Heckel und Schmidt-Rottluff kennen und später auch Munch in Berlin. Ein Streit mit Schmidt-Rottluff ließ ihn ein Jahr später schon wieder austreten. Profitieren konnte er auch von seiner Mitgliedschaft in der Berliner Secession 1909. Kurz darauf entstanden die ersten religiösen Bilder und Nolde konnte schon früh Erfolge vorweisen. Als Zeichner durfte er in den Jahren 1913-1914 an der medizinisch-demographischen Deutsch-Neuguinea Expedition teilnehmen und erweiterte sein Farbenspektrum aber entdeckte auch seinen Rassismus, denn die „Wilden“ auf die er dort traf, hielt er für minderwertig. Ab 1926 verbrachte er die Sommermonate mit seiner Frau Ada in Seebüll.

Obwohl Goebbels und Speer ihn anfangs förderten wurde sein Gemälde Leben Christi in der Ausstellung Entartete Kunst 1937 präsentiert. Beschlagnahmungen und Zwangsverkäufe folgten. Nolde konnte das gar nicht fassen und fühlte sich missverstanden, ja versuchte sogar die Nationalsozialisten davon zu überzeugen, dass seine Kunst gegen die Überfremdung der deutschen Kunst eine wichtige Rolle spiele.

1956 ist Emil Nolde in Seebüll verstorben. Nach dem Krieg malte er noch über 100 Bilder, allerdings mehr und mehr eingeschränkt durch seine Parkinson-Krankheit. Nachdem er fast 20 Jahre auf biblische Themen verzichtet hatte, greift er 1951 mit « Jesus und die Schriftgelehrten » wieder darauf zurück. Dieses Bild gleich vom Aufbau her « Der Sünderin ».

1955 wurde er zur  documenta 1 eingeladen; posthum nahm nochmals 1959 und 1964 teil.

Die Ausstellung Emil Nolde – Eine deutsche Legende. Der Künstler im Nationalsozialismus wurde durch die Freunde der Nationalgalerie ermöglicht unterstützt durch die Friede Springer Stiftung  in Zusammenarbeit mit der Nolde Stiftung Seebüll. Kuratiert haben sie Bernhard Fulda, Christian Ring und Aya Soika.

Die Ausstellung ist noch bis zum 15.09.2019 im Hamburger Bahnhof zu sehen. Sehenswert ist die Ausstellung auf jeden Fall, allerdings muss man eine lange Schlange in Kauf nehmen.

Christa Blenk

 

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Tag und Nachtstücke – Deutsches Symphonieorchester mit Robin Ticciati

Am 13. und 14. April gastierte das Deutsche Symphonie Orchester in der Philharmonie mit einem ausgesprochen interessanten Programm.

Mit der Tondichtung von Richard Strauss (1864-1949) « Don Juan » begann der Konzertabend. Das Werk entstand 1888 nach Nikolaus Lenau für großes Orchester. Die Uraufführung fand 1889 durch das Orchester des Weimarer Hoftheaters unter der Leitung des Komponisten selber statt.

Anschließend kam die Pianistin Mitsuko Uchida auf die Bühne. Die großartige Musikerin spielte – hauchzart und sensibel – Maurice Ravels (1875-1937) Konzert für Klavier und Orchester G-Dur. Es entstand um 1930 und wurde 1932 in Paris uraufgeführt. Auch hier dirigierte der Komponist selber. Die Solistin war damals Marguerite Long.

Nach der Pause gab es ein Stück von Sir Harrison Birthwistle (*1934) « Night’s Black Bird  » aus 2004. Im selben Jahr wurde es im Rahmen des Lucerne Festivals uraufführt. Bei dieser Komposition geht es um Melancholie. Birthwistle hat dabei an eine gleichnamige Radierung von Dürer gedacht. Der übergewichtige Engel auf der Radierung versucht die ganze Zeit, sich in die Lüfte zu erheben, schafft es aber nicht. Es ist ein dunkles Stück, gewitterträchtig, melancholisch-traurig. Eine Art stehende Musik, die an eine Sisiphus Arbeit erinnert. John Dowlands « In darkness let me dwell » hat hier Pate gestanden. Darüber und über die Schaffensprozesse eines Komponisten spricht Birthwistle auch in der Einführung.

Birthwistle gehört zu den bekanntesten britischen Komponisten und folgt mit seiner Musik Varese, Strawisnky und Messianen. Er hat zahlreiche Auszeichnungen bekommen, darunter 1995 den Siemens Musikpreis.

Abgelöst wurde dieses 12-Minuten-Stück von Anton Weberns (1883-1945) Sechs Orchesterstücken für Orchester op. 6 (1909-1928).

Abgerundet wurde das Konzert mit einer ausgezeichneten Interpreation von « Isoldes Liebestod ». Robin Tricciati hat entschieden, es direkt in Fortsetzung an die sechs Orchesterstücke zu spielen – ohne Pause und deshalb auch ohne Applaus. Sehr gute Idee.

Die Applaus-Freaks haben ihm und uns dies aber nicht gegönnt und ihm nach Isoldes Tod nicht die notwendigen  Sekunden zum Runterkommen gegeben.

Großartiges Konzert.

cmb

 

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Der Prinz von Homburg

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 Cover Programm Staatsoper Stuttgart

 

Der Antiheld ist  ein Träumer, vielleicht auch ein moderner Weltverbesserer. Er sitzt auf einer Leiter und ist nicht ansprechbar, er ist woanders. Seine rote Sommerhose passt nicht in den Krieg. Aber auch mit den anderen Protagonisten tut man sich schwer, sie sich im Kampf oder in einer Schlacht vorzustellen. Sie üben an der Ballettstange und man vermutet, das sie wenigstens mit den Tanzeinlagen „bella figura“ zu machen hoffen. Tanzt hier der Kongress oder haben sich die preußischen Tugenden in der Tür geirrt?  Den  Ballettsaal,  den Ort der Handlung, hat Katja Haß eiskalt, blitz-blank und blütenweiß eingerichtet. Hier könnte es sich aber auch um eine Industrie-Schlachterei handeln. Farbe kommt erst dann ins Spiel, wenn sich die Kämpfer selber mit Blut beschmieren. So sprechen wenigsten ihre Kleider von heftigen Kämpfen und es fällt nicht gleich auf, dass sie eigentlich träumen und nicht kämpfen. Oder ist das jetzt wieder Traum?

Die Oper « Der Prinz von Homburg » von Hans Werner Henze wird nicht sehr oft gespielt. Stephan Kimmig hat sie nun für Stuttgart neu inszeniert. Sie hat nichts an Zeitgeist eingebüßt und wirkt frisch und aktuell.

Der Handschuh ist das wichtigste Relikt im Stück. Er stellt die Verbindung zwischen Traum und Realität her und ist das einzige – außer seiner Erinnerung – was der Prinz vom Traum in die Wirklichkeit mitnimmt. Beim Erwachen hält er einen Boxhandschuh in der Hand.  Den zweiten entdecken wir später bei seiner Verlobten, der Prinzessin Natalie von Oranien. Das verunsichert ihn, denn es zeigt ja wohl, dass sein Traum Realität war oder die Realität ein Traum? Jedenfalls macht ihn dies stark und er erteilt Befehl zum Angriff, ohne auf die Order des Kurfürsten zu warten. Obwohl er die Schlacht gewinnt, kommt er ins Gefängnis, denn ohne Befehl von oben zählt der beste Gewinn halt nichts. Das war früher auch schon so.

Die militärische Kriegsmaschinerie kommt nicht sehr gut weg und der einzige Disziplinierungs-Drill  passiert an den Ballettstangen. Eine Art midlife-fitness-Programm.  Die Uniformen hat man deshalb auch gleich ganz weg gelassen, mehr noch: die Soldaten und Generäle, auch der Kurfürst,  müssen die Hosen herunterlassen oder stehen – peinlich und pathetisch  –  in Unterhosen da.  Das Gefängnis ist ein Glaskäfig, transparent und begehbar und auch des Prinzen Todesangst ist nicht wirklich echt. Zum Schluss siegt dann doch die Freiheit und das kann man auf den  T-Shirt der Anwesenden lesen.

Dann werden die Türen schon kurz vor Ende geöffnet. Soll hier frische Luft ins Geschehen oder nochmal eine zweideutige Illusion hervorgerufen werden?

Gespielt wird die überarbeitete, kürzere Fassung von 1991, große Chor- und Orchesterpassagen fallen weg.  Die Premiere hat der neue Generalmusikdirektor Cornelius Meister dirigiert. Die zweite Vorstellung am 6.4. der junge  Dirigent Thomas Guggeis.

Robin Adams mit seinem kantigen Bariton ist ein großartiger Prinz. Man kauft ihm das Hin- und Her zwischen Traum und Wirklichkeit jederzeit ab. Für die erkrankte Vera-Lote Böcker sang Vida Mikneviciute aus Litauen an der Seite die Rolle der Natalie; gespielt hat die Rolle die Stuttgarter Regieassistentin Anika Rutkofsky. Eine großartig umgesetzte Notlösung! Helene Schneidermann sang die Kurfürstin, Stefan Margita den Kurfürsten.

Luchino Visconti hatte Hans Werner Henze seinerzeit auf den Stoff von Kleist als mögliche Opernvorlage hingewiesen und Ingeborg Bachmann als Librettistin vorgeschlagen. Hans Werner Henze, der sich nach Italien zurückgezogen und dem Darmstädter Serialismus den Rücken zugekehrt hatte, hat sich mit dieser Oper über vieles hinweggesetzt und wandelt zwischen Zwölfton-Sequenzen und Belcanto-Arien hin und her. Die Jazz-Elemente, die zwischendurch ertönen, erhellen das Ganze.

Sehr gute Aufführung, ausgezeichnet und sehr textverständlich gesungen und musikalisch einwandfrei!

Christa Blenk

 

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Giacometti im Prado

ausstellung

 

Giacometti flaniert durch den Prado (Artikel für KULTURA EXTRA)

Der Madrider Prado ist einer der bedeutendsten und berühmtesten Kunsttempel weltweit. Dieses Jahr feiert das Museum seinen 200. Geburtstag. Ehrengast ist seit dem 2. April der Schweizer Künstler Alberto Giacometti (1901-1966). Die feingliedrigen Skulpturen mischen sich unter die Gemälde der alten Meister, die vor allem im  „Siglo de Oro“ (Spaniens Goldenes Jahrhundert) auf die Iberische Halbinsel gekommen bzw. dort entstanden sind: darunter sind Werke von Goya, Velázques, El Greco oder Bosch und Brueghel sowie viele Gemälde der italienischen Renaissance.

Raum und Zeit erfinden sich mit diesem Ehrengast hier neu.  Obwohl der Prado schon früher für Degas oder Picasso z.B. seine Türen für die Avantgarde öffnen ließ, blieben die modernen Eindringliche unter sich. Hier treten die nervösen Giacometti Figuren in direkten Dialog mit den permanenten Bewohnern, da sie um und in den wichtigsten Sälen des Museums aufgestellt wurden.

Die Kuratorin der Ausstellung, Carmen Giménez, schickt Giacometti auf eine Reise durch die Jahrhunderte – vom Mittelalter zur Moderne.  Zeiten und Epochen fusionieren, seine Figuren werden zu Zeitreisenden und jede Skulptur hat für ein paar Monate den passenden Gastgeber gefunden. Sie betrachten sich auf eine voyeuristische Art, begutachten sich und wägen ab, ja erkennen sich wieder, denn für den Schweizer Künstler sind sie – obwohl er nie in Spanien war – keine Unbekannten. Als Kind hat er die alten Meister leidenschaftlich kopiert oder reinterpretiert.  Seine Zeichenhefte beweisen das. Er bewunderte Tintorettos architektonische Farbenpracht genauso wie  er von Goyas  „Pintura negra“ (schwarze Bilder) fasziniert war.

Die jeweilige Platzierung der Skulpturen war sicher eine Herausforderung und ist exquisit und sehr sensibel umgesetzt.

So stehen auf einer Plattform („La Piazza“) die direkt vor Velázques‘ (1599-1660) „Las Meninas“ aufgestellt wurde, vier sich ansehende Skulpturen im Kreis, genau dort wo das Königspaar saß, als es sich vom Hofmaler portraitieren ließ. Zu sehen sind diese allerdings nur durch einen Spiegel im Bild. Dafür steht der Maler mitten in seinem gerade entstehenden Gemälde bei der Arbeit und blickt auf das Publikum bzw. auf die Vierergruppe. Wir sind versucht, auch die Giacometti-Skulpturen unter den Meninas und Hofnarren zu suchen.  Ein seltsames Gefühl das sich fortsetzt, wenn wir als nächstes vor „El Carro“ (der Wagen)  stehen. Die Kuratorin hat ihn vor einem großartigen Tizian aufstellen lassen. Das Portrait Karl V bei der Schlacht von Mühlberg. Der stolze König sitzt hoch zu Ross. Von der Schlacht zeugt außer einem dramatischen Feuerhimmel nichts. Doch sieht man dem Kaiser den Sieg an. Eine filigrane, überdünne Frau auf einem Sockel – eingefroren zwischen Bewegung und Stillstand – über zwei sehr großen Rädern. Die Skulptur wird hier zu Mutter Courage, zu einer Marketenderin im 30jährigen Krieg, die sich durch ihn ihren Lebensunterhalt verdient.  In der Schlacht von Mühlberg besiegte das Heer Kaiser Karls V die Truppen des Schmalkadischen Bundes. Der Führer der Protestanten, Kurfürst Johann Friedrich von Sachsen, geriet in Gefangenschaft. Tizian hat dieses großartige Portrait genau 100 Jahre vor Ende dieses Krieges gemalt.

Einer der Lieblingsmaler von Giacometti war wie gesagt der Venezianer Tintoretto (1518-1594) und seitlich vor dessen großartigem Mammutwerk „Lavatorio“ warten die  „Sieben Frauen aus Venedig“. Giacometti hat sie 1956 für die Biennale von Venedig geformt, jede aus der gleichen Menge Lehm, in verschiedenen Größen und mit ähnlichen Gesichtern. So gebündelt sind sie überaus beeindruckend. Als Gruppe treten sie sonst eher nicht auf, da sie in unterschiedlichen Ländern zu Hause sind. Die Nr. I lebt in Madrid und gehört der Alicia Koplowitz-Grupo Omega Capital. Die Nr II und III,  V und VII sind aus  dem Lousiana Museum of Modern Art in Humblebaek (USA) angereist. Nr. VI gehört der Fundation Marguerite et Aimé Maeght und die Nr. VIII der Fondation Beyeler. Beyeler hat übrigens mehrere Exponate zu dieser Ausstellung geschickt. Die Frauen, so scheint es, kommen gerade aus dem Bild und haben sich vorher noch in der großartigen Architektur von Tintorettos Gemälde getummelt. Jetzt blicken sie neugierig gegenüber auf ihre Verwandten aus dem 16. Jahrhundert im El Greco Saal.  Denn die Heiligen auf El Grecos  (1541-1614) manieristischen Gemälden sehen den Venezianerinnen oder generell Giacomettis Spätwerken durchaus ähnlich.

Im Saal von Zurbarán hat „Das Bein“ seinen Platz gefunden. Es entstand 1958 und kommt aus der Baseler Alberto Giacometti Stiftung. Vor den wuchtigen Körpern auf Zurbaráns Herkules Serie ist das Bein wie ein Hieb und zeigt die Veränderungen, die Giacometti nach dem Zweiten Weltkrieg in seiner Kunst erfahren hat. Die streng-spartanisch, fast schnörkellose und kompakte  Form verträgt sich gut mit dem dunklen Mystiker Zurbarán (1598-1664),  der am liebsten Mönche oder Leute aus dem Volk malte.

Eli Lotar III gilt als Giacomettis letztes Werk, es entstand 1965. Man fand die Skulptur unvollendet in seinem Atelier. Der Fotograf Eli Lotar gehörte zu Giacomettis Freundeskreis. Große Frau I und II sind imposante primitive Göttinnen und scheinen die Ausstellung zu bewachen. Sie sind aus Houston und Zürich nach Madrid gekommen und ebenfalls 1960 entstanden.

Giacometti, der als 20jähriger nach Paris kam und sich um 1930 kurz dem Surrealismus zuwandte, kehrte schon während des zweiten Weltkrieges wieder zu Arbeiten mit Modellen zurück. Er kehrte der avantgardistischen Bewegung den Rücken, wurde irgendwie zeitlos und widmete sich fast komplett der menschlichen Gestalt. Seine rissig-schartigen, unebenen und schroff- langgezogenen Skulpturen könnten aus der Antike kommen oder Bewohner vergessener Kulturen sein.

Eröffnet wurde das Prado-Museum im November 1819 durch María Isabel de Braganza. Gebaut hat es  Juan de Villanueva, ursprünglich geplant als naturgeschichtliches Museum. Ein Großteil der königlichen Sammlungen sollte dort ausgestellt werden. Diese  Kollektion hat sich dann im Laufe der Zeit durch Schenkungen oder Zukäufe zu dem entwickelt, was der Prado heute ist. Zwischen 1936 und 1939, im spanischen Bürgerkrieg, wurden die Kunstwerke mit Sandsäcken vor den Bombardierungen geschützt. Einige Werke kamen später über Valencia nach Genf. Und dort in Genf, hat Giacometti einmal eine Ausstellung der alten Meister aus dem Prado gesehen. 2005 hat der spanische Architekt Rafael Moneo den beeindruckenden Erweiterungsbau konzipiert.

Die außergewöhnliche Ausstellung „Alberto Giacometti en el Museo del Prado“ ist noch bis zum 7. Juli 2019 in Madrid zu sehen und wird von einem spannenden Begleitprogramm flankiert.

Prado 200 Jahre

Christa Blenk

 

Zusatzinfo:

Das Prado Museum ist eigentlich schon genug Grund, um in die spanische Hauptstadt zu reisen. Wer aber mehr braucht, kann auf der Museumsmeile oder dem „Triangolo del Arte“, wie die Spanier sagen, gegenüber auf der einen Seite das Caixa Forum, einen schwebenden Sockelbau auf dem Gelände eines ehemaligen Elektrizitätswerk 2008 von den Schweizer Architekten Herzog und De Meuron erbaut hat sehen. Auf  der anderen befindet sich das Thyssen Museum mit der großartigen Sammlung von Thyssen Bornemisza, die 1992 in spanischen Besitz überging und natürlich das zeitgenössische Museo Reina Sofia, ein ehemaliges Krankenhaus aus dem 17. Jahrhundert, erbaut von Sabatini. Der Franzose Jean Nouvel wurde mit dem Erweiterungsbau beauftragt, der 2002 eröffnet werden konnte. Das Wochenende müsste allerdings ein Langes sein, um all das zu besichtigen.

 

 

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Der Zwerg – Alexander von Zemlinsky

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DER ZWERG von Alexander von Zemlinsky, Deutsche Oper Berlin,
Premiere am 24. März 2019, copyright: Monika Ritterhaus

 „Der Zwerg“ von Alexander von Zemlinsky an der Deutschen Oper Berlin

Am 25. März 2019 fand die Premiere der neuen „Zwerg-Inszenierung“  der Deutschen Oper Berlin statt. Viele Jahre wurde diese Oper nicht mehr aufgeführt, dabei kam sie in Berlin, in der Krolloper, schon 4 Jahre, also 1926, nach der Uraufführung in Köln zur Aufführung. Dann verschwand sie erstmals von allen Opernhausspielplänen und kam erst wieder Ende der 1970er Jahre in Mode.

Um aus dem nur 80 Minuten dauernden Einakter einen vollständigen Opernabend zu präsentieren, wird das Stück oft mit einem anderen Einakter zusammen aufgeführt. Dieses Mal hat man sich entschieden, die 10-minütige Komposition von Arnold Schönberg „Begleitmusik zu einer Lichtspielszene“  vorneweg zu spielen – und dies inszeniert als Lehrer-Schüler oder Mann-Frau-Stück bzw. « Alma Schindler bekommt Klavierunterricht bei Alexander von Zemlinsky ». Daraus ist sodann eine Liebelei erblüht (klein auf Seiten von Alma, groß auf der von Zemlinsky). Diese wurde aber sofort und schnell beendet als Alma Schindler, Gustav Mahlers Heiratsantrag annahm. Für Zemlinsky, der vom Schicksal zwar mit Talent aber nicht mit Größe oder Schönheit beschenkt worden war, ein schlimmer Schlag. Man sagt sogar, dass er mit dem Zwerg autobiografisch und Freud-Couch-mäßig etwas verarbeitet hat.

Sehr passende Idee, die den Abend gleich schwungvoll und rhythmisch einleitet. Mehr braucht diese Oper auch gar nicht. Musikalisch ist sie irgendwo zwischen Spätromantik und Wagner angesiedelt, kommt immer wieder mal an die Grenzen der Tonalität, geht aber nicht darüber hinaus.

Georg Klaren hat das Libretto nach einer Geschichte von Oscar Wilde geschrieben.  Es geht um Selbstwahrnehmung und Fremdwahrnehmung, um Schein und Sein und um versäumte Empathie. Eine Punktlandung für die Deutsche Oper Berlin und für das Regie-Duo Tobias Kratzer und Rainer Sellmaier (welches übrigens bald in Bayreuth tätig werden wird).

Tobias Kratzer hat die Rolle des Zwergen zweimal besetzt, einmal mit dem großartigen Sänger David Butt Philip, der wie ein Abendeinspringer seine Rolle meist am Rande der Bühne singt, während der Schauspieler Mick Morris Mehnert großartig und berührend die Rolle des Zwerges spielt. Elena Tsallagova singt die herzlose, frivole  Prinzessin. 1960er Jahre Teenager umgarnen die schöne Infantin, die ihren 18. Geburtstag feiert. Die Geschenke kommen an und die Prinzessin Donna Clara kann es kaum erwarten, sie auszupacken. Das Geschenk des Sultans sticht dadurch hervor, dass eslebt. Er schenkt ihr einen Zwerg der wunderbar singen kann,  weltfremd und unschuldig ist und gar nicht weiß, wie er aussieht, da er noch nie einen Spiegel zu Gesicht bekommen hatte.  Donna Clara freut sich an diesem „Spielzeug“, schenkt ihm zum Spaß eine weiße Rose, tanzt mit ihm, küsst ihn und sieht ihn doch nur als niedliches Haustier.

Tobias Kratzer lässt die Geburtstagsparty in einem Konzerthaus stattfinden, und so stehen dort Stühle, Notenständer und Instrumente, die einmal kurz großer Wut zum Opfer fallen. Bühne und Kostüme sind schwarz-weiß gehalten bis auf die schillernde Prinzessin und ihr Stab der bunten Meninas. Die Doppelbesetzung zeigt noch mehr das Zwiespältige der Rolle des Zwerges, seine Dramatik, als er – genötigt durch die Infanta – von Ghita (Emily Magee) einen Spiegel hingehalten bekommt und daran zerbricht.  Die Szene, wenn der  Zwerg hinterm Spiegel und der Sänger davor die Wahrheit entdecken, ist großartig gelungen und eine Opernsternstunde. 

Wenn Donna Clara den Sänger ansieht, vergisst sie die Hässlichkeit des Zwerges. Elena Tsallagova ist perfekt für diese unschuldig-kalte Kind-Frau-Rolle und man nimmt es ihr sofort ab, wenn sie nach dem Tod ihres „Spielzeuges“ weitertanzen will aber vorher noch schnell ihren Luftballon zum Platzen bringt.

Donald Runnicles hat das Orchester der Deutschen Oper wieder in Hochform leuchten lassen und viele Zwischen- und Randstimmungen herausgeholt.  Auch der Chor zeigte sich von seiner besten Seite. Großartige Sänger rundeten den gelungenen Opernabend ab.

Christa Blenk

 

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Abonnementkonzert

Mehr konnte man an diesem Konzertabend fast nicht mehr ändern!

Zuerst musste der Dirigent Paavo Järvi wegen Krankheit absagen. Waltraud Meier machte es ihm nach und konnte aus gesundheitlichen Gründen ebenfalls nicht auftreten. Eingesprungen sind Ocka von der Damerau für die Kindertotenlieder und Thomas Guggeis am Pult  (die Geheimwaffe für Berlin, wenn ein Dirigent nicht auftreten kann oder will – denken wir an Salome in der Staatsoper). Dies brachte wiederum eine einschneidende Programmänderung mit sich und anstelle von Schostakowitsch gab es Sibelius rauf und runter („Der Schwan von Tuonela“ op. 22 Nr. 2 und  Sinfonie Nr. 2 D-Dur op. 43).

Musik Philharmonie

cmb

 

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Simone Kermes auf Tournee mit dem Neuen Händel-Album

 Feuerwerk, Gewitterdonner und Wirbelstürme

Für Puristen sind die Auftritte von Simone Kermes nicht geschaffen. Ansonsten sind sie ein Ereignis, wenn man sich auf ihre individuelle und rockige Art, ein Barockkonzert zu singen, einlassen mag. Mit Armidas Arie « Furie terribili » aus Händels Rinaldo rauscht sie in einem ihrer ausufernden, extravaganten  Diva-Kleidern – für die sie auf Reisen immer reihenweise Koffer braucht) auf die Bühne, spricht zwischendurch ständig mit dem Publikum (was im Kammermusiksaal eher ungünstig ist, da auch hinter und neben der Bühne Zuhörer sitzen), ist Sängerin und Showmasterin zugleich, tanzt, fetzt und trällert, virtuos, glasklar und scheinbar mühelos, die schwierigsten Arien in den Raum, ohne – so denkt man – auch mal Luft holen zu müssen.

Die Auftritte von Simone Kermes sind ein Naturereignis, ein Erdbeben und wer Angst hat, in eine Spalte zu rutschen, sollte besser gar nicht erst hingehen.

Gestern Abend im Kammermusiksaal der Philharmonie hat so ein Konzert von Simone Kermes mit dem Ensemble „Amici Veneziani“ stattgefunden. Auf dem Programm standen Werke von Händel, Vivaldi, Pergolesi, Hasse und Porpora. Wütende, glühende und erboste fortissimi schwinden zu fast weinenden, ganz zarten pianissimi. Sie hat für jede Note, jedes Gefühl die passende Mimik, droht den Musikern, schubst den Geiger zur Seite und fordert das Publikum auf, in den „unmöglichsten“ Momenten zu applaudieren und plötzlich ist alles erlaubt, was man sonst in einer seriösen Konzerthalle verurteilen würde. Sind wir hier zufällig in ein Pop-Konzert geraten. Aber dann erklimmt sie makellos unglaubliche Höhen und gibt mindestens 150% ihrer künstlerischen Leistung. Um ihre Stimme scheint sie sich keine Sorgen zu machen.

Ein rasendes « Gelido in ogni vend » des Farnace von Vivaldi, die Arie « Moridó, ma vendicata“ der Medea aus Händels Teseo oder das herzzerreißende  „Ombra mai fu“ aus Händels Xerxes gehen über zu einem fast Flüstern der Arie  « Alto Giove » aus Porporas Polifemo. Sie zerpflückt und zerzaust, fügt wieder zusammen und gewittert weiter, virtuos und glasklar erreicht sie scheinbar mühelos jeden Ton und hält ihn gefühlte Minuten. Heftiges, theatralisches Ausatmen und weiter geht es.

Nach der dritten Zusage fragt sie das Publikum, ob es schon müde sei und setzte dann noch Händels „lascia ch’io pianga“ obendrauf. Spätestens jetzt hat sie auch den letzten Skeptiker entwaffnet.

Simone Kermes ist in Leipzig geboren und dort hat sie auch Gesang studiert, allerdings erst nach einer konventionellen Büro-Ausbildung. Der Erfolg winkte schon bald und ihr umfangreiches Repertoire und die sichere, schöne Stimme brachte ihr nach kurzer Zeit viele bedeutende Rollen. Standing ovations waren an der Tagesordnung bei einem „Zickenkrieg vom Feinsten“, nämlich dem Sing-Duel  „The Rival Queens“, einer Produktion in Zusammenarbeit mit der großartigen Vivica Genaux und der Capella Gabetta.

Heute lebt Simone Kermes in Berlin-Mitte, und dort – in der Wohnung einer Freundin – hat sie mit dem Ensemble Amici Veneziani auch für das Konzert geprobt!

Nach der Show hat sie auch noch ihre neue CD „Mio caro Händel“ signiert, die sie gerade mit dem Ensemble Amici Veneziani unter Leitung von Gianpiero Zanocco aufgenommen hat. Darauf singt sie, beweglich, feinnervig, zornig und fanatisch wie gewohnt, in drei Sprachen. Sicherlich ein Muss für Barockliebhaber.

Christa Blenk

 

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Babylon – Oper von Jörg Widmann

Babylon
 Plakat Ankündigung Staatsoper

 

2012 kam die Oper Babylon von Jörg Widmann in München unter Leitung von Kent Nagano zur Aufführung. Das Libretto stammt von Peter Sloterdijk. In München hatte die Oper mäßigen Erfolg und nun  hat Widmann diese Oper in Sieben Bildern für Berlin neu überarbeitet. Im März 2019 kam sie in der Staatsoper in der Regie von Andreas Kriegenburg zur Aufführung. Bei der Premiere gab es nicht gerade Begeisterungsstürme, aber auch bei der dritten Vorstellung fehlten nach der Pause geschätzt 10% der Besucher. Eigentlich sollte Barenboim dirigieren; dieser ist aber aus Gesundheitsgründen ausgefallen und so Christopher Ward übernommen.  

Eine Urerfahrung der Zerstörung inmitten babylonischer Lebensfreude.

« Wer Dich wieder aufbaut, sei verflucht, sein erstes Kind soll sterben bei dem Aufbau der Stadt, sein jüngstes Kind soll sterben beim Einsetzen der Stadttore » singt-spricht der Skorpionmensch (Joschua 6.26). Dann setzt die Musik ein.

Auf der Bühne ist ein no future vierstöckiges, ziemlich herunter gekommenes Hochhaus zu sehen. Verwüstung überall. Die Seele lehnt seufzend an einer Säule und bedauert ihren Bruder oder Freund, der aber schon auf dem Weg in den Abgrund zur Verführung in Form von Inanna und verloren scheint.

In jeder Zelle oder Zimmer passiert gleichzeitig etwas, meist sind es Orgien und immer ist es sehr laut. Deprimierende Weltuntergangsstimmung breitet sich aus und dieses Gefühl wird durch die abgerissenen Kostüme noch verstärkt. Zwischen post-nuklearer Welt und dem der Hölle in Hieronymus Boschs „Garten der Lüste“. Die ersten vier Bilder sind von Chaos durchzogen und man versucht verzweifelt herauszufinden, worum es eigentlich geht. Mythos, Religion, Chaos, Gilgamesch, Bibel, Liebe, Lächerlichkeit und Treue – all das wird angeteasert.  Zwischen Candide und Orpheus in der Unterwelt, auch die Liebesgeschichte von Inanna und Tammu. Es zieht sich irgendwie hin und man weiß nicht in welche Richtung. Nach der Pause herrscht ein wenig mehr Klarheit, dafür wir die Musik zum Teil unglaublich banal und kommerziell, vor allem das Liebensduo zwischen Inanna und Tammu ist kitschig. Aber das hat Widmann ja wahrscheinlich gewollt, alle Musikstile sollten einmal vorkommen und das Babylon-Chaos bestärken. Dabei hat man durchaus den Eindruck, dass Widmann sich amüsiert hat, jedenfalls beim bayrisch-babylonischen (Oktoberfest)Marsch, beim dem Inanna auch tänzerisch glänzen konnte.  Babylon ist multikulti, lebenslustig, freizügig und verdorben, eine  Oper der Extreme vor allem musikalisch mit  94 Choristen, 54 Streicher, 13 Blechbläser, 16 Holzbläser, Harfen und Celesta, Akkordeon und drei Schlagzeugen.

Die Opferung nach der Pause, bei der sich der jüdische und der babylonische Chor gegenüberstehen, ist eine der besten Szenen in der Oper. Plärrt wo ihr wollt, aber nicht vor meiner Tür! Singt der Tod als Inanna in die Unterwelt will. Aber er lässt sich erweichen und es gibt eine Art happy-end!

Dann richten sich alle Scheinwerfer auf das Publikum und wir sitzen da, geblendet, ohne zu wissen, ob es vorbei ist, bis sich jemand traut zu applaudieren. Von den Grenzen der Sprache sollte es handeln und an unsere Grenzen waren wir dann auch gekommen.

Großes Lob an die hervorragenden Sänger, Orchester und Chor. Mojca Erdmann als Seele muss die ganze Zeit fast schreien. Susanne Elmarks hat im ersten Teil immer an Kunigunde erinnert und war sehr gut in ihrer Rolle als demütige Verführerin. Marina Prudenskaya bekam – zu recht – den meisten Applaus. Sie ist hervorragend als singender Euphrat-Fluss. Sehr gut auch Andrew Watts als Skorpionmensch, John Tomlinson als Priester und Otto Katzameier als der Tod.

Auf jeden Fall sehens- und hörenswert, wenn auch anstrengend! Das Programm ist sehr gut gemacht.

cmb

 

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Europa Galante und Ian Bostridge

bostridge Bondi

 

Ian Bostridge gehört seit langem zu den interessantesten und außergewöhnlichsten Sängern, obwohl der Brite sein Debut als Sänger erst 1993, schon fast 30jährig, gab. Bevor er sich dem Gesang widmete –  dies geschah wegen Dietrich Fischer-Dieskau, wie er selber einmal  in einem Interview sagte –  hat er in Oxford Philosophie und Geschichte studiert und über die „Hexerei“ promoviert. Bostridges Repertoire  geht von Monteverdi bis Britten, von Madrigalen aus dem Frühbarock, die er genau so überzeugend vorträgt wie Hans Werner Henzes „Gesänge aus dem Arabischen“ hin zu Kurt Weills Balladen. Sein enormer Stimmumfang springt mühelos zwischen Tenor zum tiefen Bariton. Heute zählt er außerdem zu den besten und gefragtesten Schubertsängern. Mit großem Ausdrucksempfinden und unprätentiöser Virtuosität bringt er das Publikum zur Begeisterung.

Das Programm am Freitagabend im Pierre Boulez Saal war dem Frühbarock gewidmet und dazu hat er sich Fabio Biondis exquisites Ensemble Europa Galante mit ins Boot geholt.

Claudio MonteverdisCombattimento  di  Tancredi e Clorinda“ entstand 1624 und gehört zum Achten Madrigalbuch. Es ist ungewöhnlich lang und erzählt die tragische Geschichte des Kreuzritters Tancredi, der sich unsterblich in die Sarazenin Clorinda verliebt und sie im Kampf tödlich verwundet, unwissend, dass sich hinter dem Kämpfer, seine geliebte, verkleidete, Clorinda verbirgt. Sterbend bekennt sie sich zum Christentum und vergibt ihm. Der Text des Madrigals wird erzählt, unterbrochen zwischendurch allerdings von Passagen  indirekter Rede der beiden Protagonisten. Monteverdi selber sagte hierzu in einem Vorwort des gedruckten Madrigalbuches: „Mir ist klar geworden, dass unsere Leidenschaften oder Gemütsbewegungen drei zentralen Begriffen zuzuordnen sind: Zorn, Mäßigung und Demut oder Flehen (Ira, Temeranza & Humiltà o supplicatione“). Bostridge singt sich in beide Gegner hinein und wechselt jeweils die Stimmlage.

Der dritte Liedbeitrag von Bostridge ist„Tempro la cetra“ aus dem Siebten Madrigalbuch von Claudio Monteverdi. Es entstand 1619.

„La Serenissima“, die magische Stadt in der Lagune, war um 1600 eine bedeutende Handelsmetropole und florierte nicht nur wirtschaftlich und  künstlerisch.  Als Musikzentrum stand Venedig  in würdiger Konkurrenz  zu Städten wie Rom oder Neapel. Claudio Monteverdi (1567-1643)  war bis zu einem Tod Kapellmeister in San Marco.

Mit dunkler Schwermut, kummerdurchzogen, ätherisch  und elegisch fast kommt er beim Trauergesang « Incassum, Lesbia » (The Queen’s Epicedium)  von Henry Purcell (1659-1695) daher,  den dieser anlässlich des Todes der geliebten Queen Mary II (1695) komponierte. Er singt das so innig und lautmalerisch, als ob es seine eigene Mutter wäre, die dort zu Grabe getragen wird. Purcell verehrte diese Königin sehr, die 32jährig an den Pocken starb.

Das Ensemble Europa Galante spielt außerdem Sonaten von Dario Castello, drei Stücke aus Girolamo Frescobaldis Fioro musicali (1635) und ein sehr modernes Werk von Carlo Farina (1600-1639) Capriccio stravagante à 4 „Ein kurtzweilig Quodlibet » (1627).  Man geht davon aus, dass Farina in Mantua die Musik des dortigen Kapellmeisters Monteverdi gekannt haben muss. Farina kam später durch Heinrich Schütz an den Dresdner Hof. Vieles von seinen Kompositionen ging verloren. Das gestern gespielte Werk – wie der Name kurtzweilig schon erklärt – ist geprägt von permanentem Wechsel der Tempi und Rhythmen und steckt voller musikalischer Streicher-Überraschungen, wie das Miauen von Katzen oder das Bellen von Hunden. Eine echte trouvaille!

Der schlaksige, hochgewachsene Bostridge wirkt unglaublich jungenhaft und so sympathisch. Er spricht ausgezeichnet Deutsch und Italienisch. Sein inniger, geschmeidig-expressiver Gesang kommt durch große Textverständlichkeit noch näher.  

Als  Zugabe singt er in einwandfreiem Deutsch „Bist Du bei mir“, ein Stück aus dem „Notenbüchlein für Anna Magdalena Buch“. Und jetzt wünschen wir uns, dass er mit einem Bach-Programm direkt weiter macht.

Fabio Biondi hat das italienische Ensemble Europa Galante 1990 gegründet. Sie haben sich auf Opern und Vokalwerke des 17. und 18. Jahrhunderts spezialisiert. Nach Berlin kam Biondi mit Andrea Rognoni (Violine), Ernst Braucher (Viola), Alessandro Andriani (Violoncello), Patxi Montero (Viola da gGmba, Kontrabass), Marta Graziolino (Harfe), Giangiacomo Pinardi (Theorbe), Paola Poncet (Cembalo, Orgel) und  Fabio Biondi selber (Musikalische Leitung und Violine).

Großartiges Konzert!

cmb

 

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Zehlendorfer Hauskonzerte – Klavierabend mit Ekaterine Khvedelidze

 

QNG

 

Vergangenen Dienstag hat im Zehlendorfer Wohnzimmer wieder, überraschend und kurzfristig, ein bemerkenswertes Klavierkonzert stattgefunden.

Die georgische Pianistin Ekaterine Khvedelidze hat schon ab dem 5. Lebensjahr Klavierunterricht bekommen. Nach ihrem Diplom setzte sie Ihre Studien in Detmold und Moskau fort und hat u. a. bei Peter Schiff, Bruno Canino und Vitaly Margulis Meisterkurse belegt. Ihr Mentor und Förderer war der Pianist Igor Zhukov, von ihm stammt auch die Bearbeitung für Klavier von César Francks (1822-1890) Prélude, fugue et variation h-Moll M 30 op. 18. Es stand am Dienstagabend ebenfalls auf dem Programm. Im Geheimen hat sie es gestern für ihn gespielt und dementsprechend innig-schön hat es sich auch angehört. César Franck hat das Werk 1862 als Teil des Zyklus „Six Pièces“ komponiert; heute zählt es zu den schönsten Orgelwerken und gehört zum Repertoire der Organisten. Mit diesem Konzertbeitrag bringt sie Zhukovs Handschrift zum Klingen, wie sie dies in einer kurzen Einführung vor dem Konzert nannte.
Die Orgelfassung wurde laut Angaben des belgischen Musikwissenschaftlers Jean Ferrard im November 1864 vom Komponisten selber an der Pariser Orgel von Sainte Clotilde aufgeführt. Die Harmonium-Fassung entstand zehn Jahre später.

Igor Zhukov spielte eine bedeutende und bemerkenswerte Rolle unter den russischen Pianisten der älteren Generation. Von ihm hat Khvedelidze auch ihre Vorliebe für Alexander Skrajbin (1871-1915) und die leidenschaftliche und enthusiastische Beziehung zu ihrem Klavier kommt der von Skrjabin nahe. Diese kleinen Preziosen, die für Glenn Gould die Préludes von Chopin bei weitem übertreffen (Gould soll sogar als Kind auf den Skrjabin Noten geschlafen haben), spielt sie einmal fast wütend und dann wieder himmlisch zart mit poetischen und sekundenschnellen Stimmungswechseln wird sie der Atemlosigkeit und der Besonderheit  der Musik dieses Exzentrikers und Mystikers Skrajbin unbedingt gerecht. Die frühen Préludes stehen zwar noch im Banne von Chopin, aber das sollte sich später ändern. 1915 starb er an einer Blutvergiftung.

Während sich also Skrjabin an Fréderic Chopins (1810-1849) Préludes orientierte hat Chopin in seinen Meisterwerken en miniature mit den 24 Préludes op.28 eine große Verbeugung vor Johann Sebastian Bach und vor allem vor dessen wohltemperiertem Klavier gemacht. Die zwölf Dur- mit ihren Moll-Tonarten kommen nacheinander zum Zuge – auch dies hebt die Pianistin wunderbar hervor.

Ein Großteil der kurzen Kompositionen ist um 1838 auf Mallorca während eines romantischen Urlaubs mit George Sand entstanden. Dorthin hat sich der Komponist begeben, um dem ungemütlichen Winter zu entfliehen. Man friert allerdings nirgends so sehr wie im Winter am Mittelmeer, wenn es keine Heizung gibt. Das Wetter war demnach regnerisch und klamm, Chopin wurde krank und musste sich von seiner Angebeteten pflegen lassen. Wuchtige Enttäuschung, radikale Wut, helle Hoffnung,  hingebungsvolle Dankbarkeit, ausufernde Freunde, tiefe Verzweiflung und ausatmende Freude bringt die Pianistin mit farbenreichem Klangspektrum und ausladender Fantasie zum Ausdruck und findet für jedes der 24 Miniaturen den richtigen Platz am Musikhorizont.

Die Pianistin zählt schon seit Jahren zu den Nachwuchstalenten und begeistert die Zuhörer mit ihrem Seelenspiel. Vor jedem Prélude scheint sie kurz mit dem Klavier zu kommunizieren, versucht, sich in die unterschiedlichen Farb- und Lebensstimmungen gerade von Chopins Préludes einzuklinken und beeindruckt mit einer großartigen Perfektion. Kein Ausrutscher bei diesem sehr langen und fordernden Konzert.

Die Gegenüberstellung der jeweils 24 Préludes von Chopin und Skrjabin durch Ekaterine Khvedelidze war für die Zuschauer eine Art lehrreicher Zuhör-Meisterkurs.  Eine ausgezeichnete Idee, das Konzertprogramm so zu gestalten. Beschwingt und froh, dabei gewesen zu sein, gingen wir nach Hause.

Am Sonntag spielt Ekaterine Khvedelidze dieses Programm in der Hamburger Elbphilharmonie. Glücklich, diejenigen, die sich früh genug um eine Karte bemüht hatten, denn das Konzert ist seit langem ausverkauft.

Christa Blenk

 

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Mantegna und Bellini

mantegna Bellini Eingang

Mantegna und Bellini. Meister der Renaissance  (Artikel für KULTURA EXTRA)

 Renaissance-Ausstellungen sind anziehend, beliebt, füllen Museen und sorgen für Schlangen vor der Kasse. Es gibt sie in allen möglichen Konstellationen mit unterschiedlichen Konzepten, nach Künstlergruppen oder Umfeld organisiert. Eine Gegenüberstellung dieser beiden Meister der Renaissance hat es so noch nicht gegeben und war längst überfällig. „Komplementär und erhellend“ nennt der Direktor der National Gallery London, Gabriele Finaldi, die Konfrontation „des rigorosen Humanisten der italienischen Renaissance, Mantegna mit dem poetischen Interpreten menschlicher Emotionen, Bellini“.

 Nach einem Aufenthalt in London bis Anfang des Jahres, treffen die beiden großartigen Künstler Mantegna und Bellini nun in der Gemäldegalerie aufeinander. Ein Highlight in der Berliner Kunstszene, hat es doch seit längerem hier keine wirklich bedeutende Ausstellung gegeben. Bis zum Sommer können diese wunderbaren Bilder in der Berliner Galerie der Alten Meister bewundert werden.

 Wenn man von der Renaissance spricht, kommt man nicht umhin, auch Florenz zu erwähnen, denn dort wurde sie sozusagen „erfunden“. In der toskanischen Perle wirkten in der ersten Generation Genies wie Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Botticelli (1445-1510) oder später Michelangelo (1475-1564). Der Baumeister der Hochrenaissance par  excellence, Donato Bramante (1444-1514) oder das Genie Raffael (1483-1520) kamen aus Urbino nach Florenz, während der Universalgelehrte und Künstler Leonardo Da Vinci (1452-1519) in Mailand wirkte. In Venedig malte die Bellini-Dynastie: Jacopo und seine beiden Söhne Gentile und Giovanni Bellini (ca 1437-1515). Letzterer traf in Venedig auf den talentierten Provinzkünstler Andrea Mantegna (1431-1506) und das war der Beginn einer wunderbaren und erfolgreichen Zusammenarbeit, ja Symbiose.

 La Serenissima oder die Stadt in der Lagune von Venedig war schon ab Mitte des 15. Jahrhunderts neben Konstantinopel eine der wohlhabendsten und mit über 160 000 Einwohnern auch eine der größten Städte in Europa. Hier wurden edle Stoffe, kostbares Salz, feines Glas und andere Preziosen verschifft oder umgeschifft und in die ganze Welt verbracht. Und wo Wohlstand herrscht kann Kunst entstehen, sich verbreiten und gedeihen. Eine angestrebte, erschöpfende Bildungsreform im Humanismus ermöglichte in Florenz mit den Medicis eine Blütezeit der Kunst, aber auch venezianische wohlhabende Bürger oder der Adel förderten Künstler und Bildhauer und sorgten dafür, dass die optimalen Fähigkeiten des Einzelnen unterstützt wurden.  Die Gewissheit einer neuen Zeit anzugehören brachte nicht nur die Entdeckung alter Schriften mit sich, auch die Welt dehnte sich aus, man durchquerte die Weltmeere und ergründete neues Land. Und obwohl die Auftraggeber meist das Motiv in Form von Bibelgeschichten vorgaben, malten Künstler immer häufiger außer religiösen Portraits Konterfeis von Adeligen und Kunstmäzenen. Ein Beispiel hierfür ist Bellinis großartiges Portrait vom Dogen Leonardo Loredan. Es entstand um 1501 und hängt normalerweise in der Londoner National Gallery.

 Der Sohn eines Tischlers und schon früh erfolgreiche Künstler aus dem Umland von Padua, Andrea Mantegna, entdeckt nach seinen Lehrjahren in Ferrara die Werke Rogier van der Weydens (1399-1464) und Piero della Francescas (1416-1492). In Mantua wird er geschätzter Hofmaler der Gonzagas, eröffnet eine Malschule und folgt dem Ruf von Papst Innozenz VIII nach Rom. Vorher heiratet er aber noch Nicolosia Bellini, ihres Zeichens Tochter des bekannten Malers Bellini. Mantegna hat Talent, Mut  und Selbstbewusstsein. Die Heirat ist ein Glücksfall, auch für beide Künstler, denn was eine Konkurrenz hätte werden können, sollte ein fruchtbarer und erfolgreicher Austausch zwischen Nicolosias Bruder Giovanni und ihrem Mann, Andrea werden. Vielleicht war dieses Arrangement aber auch durchdacht, um den Künstler aus der Provinz nicht zu groß werden zu lassen, ihn unter Kontrolle zu halten. Wie auch immer: eine echte win-win-Situation für beide.

 Mantegna pflegte das Florentiner Kunstideal. Seine Figuren sind streng und würdevoll, von großer Körperlichkeit und verfügen über die geforderte Bindung an die Antike, beachten die Perspektive, und seine aus der Luft gegriffenen und sehr von Architektur geprägten Landschaften oder Felsen sind eben deshalb idealisiert. Er gehörte zu den Künstlern, die gemeinsam mit Gelehrten und Humanisten eine Faszination für die Antike zeigten und die ihre Wiederentdeckung anstrebten.

 Mantegna, dessen Talent schon früh zum Vorschein kam und der als Elfjähriger in einer Kunstwerkstatt Unterricht bekam, war beeindruckt von Bellinis samt-seidigen, geschmeidigen Landschaften und dessen Begabung und Geschick, Licht und Stimmungen einzufangen.

 Bellini wiederum, der in eine angesehene Künstlerfamilie hineingeboren wurde, war fasziniert von Mantegnas antiken Portraitgruppen wie Samson und Delila oder David und Goliath, von seiner intellektuellen Kunsttheorie, seiner eigene Anatomie, dem harten und skulpturalen Manierismus und den geerdeten Gesichtern. Bellinis Madonnen sind idealisiert und tragen das Jesuskind wie einen Schatz, der gehütet werden muss oder wie eine Dekoration vor sich her. Mantegnas Madonnen hingegen sind Frauen, Mütter, die ihr Kind beschützen und eine persönliche Bindung zu ihm haben. Wenn Mantegna einen Toten malt, dann hat dieser vorher gelitten, Bellinis Tote scheinen unbesorgter zu sein, tragen weniger Elend mit sich. Ein Übergang von den Sterbenden zu den Toten. Bellini bekam den Erfolg in die Wiege gelegt, denn schon sein Vater Jacopo führte, wie gesagt, eine erfolgreiche Werkstatt in Venedig, Not dürfte er nicht gekannt haben.

 Die Ausstellung zeigt vor allem, wie unbefangen Bellini die Motive von Mantegna oft Jahre später aufgriff, ergänzte, erweiterte, erhellte. Bellinis Farben sind kompakter, glatter und gewaschener. Heutzutage hätte man ihn sicher des Plagiats beschuldigt.

Das Gemälde von Mantegna „Christus am Ölberg“ entstand um 1458. Ein betender Christus kniet auf einem Felsvorsprung und blickt nach links in Richtung einer Engelschar, im Hintergrund ist eine große Stadt zu sehen, die gleich wieder Mantegnas Faszination für die Architektur hervorhebt. Die römischen Soldaten befinden sich im Anmarsch, um Christi zu verhaften, was die im Vordergrund schlafenden Jünger aber noch nicht wissen. Am Himmel brauen sich Gewitterwolken zusammen. Giovanni Bellini hat ein ähnliches Bild ein paar Jahre (um 1465) später gemalt. Hier fehlt Mantegnas Dramatik. Das Bild ist heller, die Stadt kleiner und weiter weg. Sein Christus blickt nach rechts auf nur einen Engel.  Bellinis Szene ist hoffnungsvoller, die schlafenden Jünger unbeschwerter.

In dem Buch „Das Leben der Künstler“ beschrieb der  italienische Künstler und Biograph Giorgio Vasari (1511-1574), Leben und Werk  fast aller großen Künstler vor und zu seiner Zeit. Über Mantegna sagte er : „ ….als male er Stein und nicht lebendiges Fleisch. Mantegna malt wie ein Bildhauer, Bellini ist der Maler des „sfumato“. Die Bellinis prägen bis heute unser Bild der venezianischen Renaissance. Beispielhaft für den künstlerischen und sozialen Aufstieg, der sich neben Talent und Fleiß vorwiegend auf die moralische Integrität der Protagonisten gründet, während Mantegnas Vita ein Plädoyer für das Mäzenatentum ist“.

 Ein spannendes Beispiel für die Bedeutung dieser Ausstellung ist ein Vergleich zwischen Andrea Mantegna „Die Darbringung Christi im Tempel“ (ca. 1453). Mantegnas Version ist in Berlin zuhause und entstand kurz nach seiner Hochzeit mit Giovannis Schwester Nicolosia, die ganz links im Bild zu sehen ist. Der Maler selbst hat sich rechts ins Bild gebracht. Dieses Bild ist ruhig und dunkel, hat noch etwas vom Mittelalter und sehr wenig vom sonst Bildhauerischen Mantegnas. Die Personen in der Mitte ziert ein Heiligenschein, den Bellini zwanzig Jahre später weglässt. Dafür ergänzt er links und rechts eine (unbekannte) Person, macht aus dem Steinrahmen eine wuchtige Brüstung und hellt das Ganze farblich auf, vielleicht hat aber auch die Farbzusammenstellung einen Fortschritt gemacht. Bellinis Werk ist sonst in Venedig in der Fondazione Querini Stampalia zu bewundern.

 Der gelehrte Eremit Hieronymus, der sich in die Wüste zurückgezogen hat, um die Bibel aus dem Griechischen ins Lateinische zu übersetzen, war für die Maler in dieser Zeit ein Muss. „Der Heilige Hieronymus in der Wüste „  ist ein sehr frühes (um 1450) Meisterwerk von Mantegna, das aus Sao Paulo nach Berlin kam.  Der Asket Hieronymus sitzt vor seiner Höhle, den roten Kardinalshut neben sich, inmitten felsiger Architektur, vom Löwen ist nur der Kopf links von ihm zu sehen. Er scheint sich auszuruhen.  Bellinis Hieronymus ist ebenfalls ein Frühwerk und entstand ein paar Jahre später um 1454. Es ist ein interaktives Bild, möchte man meinen, denn der Heilige scheint hier mit dem Löwen im Dialog zu stehen, predigt ihm mit erhobenem Zeigefinger, im Hintergrund nur liebliche Landschaft. Er hat weder Sandalen noch Hut.

 Caroline Campbell (National Gallery, London), Dagmar Korbacher (Kupferstichkabinett – Staatliche Museen zu Berlin), Neville Rowley (Gemäldegalerie und Skulpturensammlung – Staatliche Museen zu Berlin) und Sarah Vowles (British Museum) haben diese Ausstellung kuratiert und sich auf  die Spuren der beiden Ausnahmemaler begeben, die mehr oder weniger gleichaltrig waren (Bellinis Geburtsdatum ist nicht bekannt). Man schätzt 1435, Mantegna wurde 1431 geboren. Sie faszinieren und bewundern sich gegenseitig. Knapp 100 Exponate, darunter Bilder, Grafiken, Skulpturen sind zu sehen. Dass gerade Berlin und London diese Ausstellung gemeinsam organisieren liegt daran, dass beide Museen mehr Werke in ihrem Besitz haben, als es sonst außerhalb Italiens der Fall ist.

 Sehr sehenswert und gut präsentiert ist diese Ausstellung, die noch bis zum 30. Juni 2019 in Berlin zu sehen ist und die man auf keinen Fall verpassen sollte. Zur Ausstellung erschien ein umfangreicher Katalog zum Preis von 39,90 Euro.

 Parallel zur Sonderausstellung „Mantegna und Bellini. Meister der Renaissance“ zeigt die Gemäldegalerie  Werke von Giovanni Bellini und seines Umkreises, die in Vorbereitung der Ausstellung untersucht und restauriert wurden. Texttafeln, Fotos und Kartierungen geben den Besucherinnen und Besuchern Einblick in die Untersuchungsergebnisse, die Restaurierungsgeschichte und die jüngst durchgeführten Restaurierungsmaßnahmen. (Quelle: Staatliche Museen zu Berlin, Preußischer Kulturbesitz)

 Und wer jetzt noch nicht genug hat fährt am besten direkt nach Frankfurt zur Ausstellung „Tizian und die Renaissance in Venedig“. Allein 20 Exponate nur von Bellinis begabtestem Schüler Tizian (1488-1556) sind dort noch bis zum 26. Mai zu sehen.

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Dieser letzte Absatz ist nicht im KULTURA-EXTRA Artikel erschienen:

Das Bild « Festmahl der Götter »  hat Giovanni Bellini in den Jahren 1515-1529 gemalt. Umfangreiche Ergänzungen hat u.a. sein Schüler Tizian vorgenommen. Es ist Teil eines Gemälde-Zyklus für Alfonso I d‘Este, Herzog von Ferrara, für sein Schloss.  Bellinis Gemälde misst 170 x 180 cm und gehört der National Gallery in Washington.  Bellini, der selten mythologische Themen aufnahm, hat sich hier an ein Thema von Ovid gelehnt.

festmahl der Götter von Bellini
Festmahl der Götter, Bellini 1514 (fertiggestellt von Tizian um 1529)

Merkur sitzt oder liegt vorne in der Mitte. Er scheint schon ein wenig zu viel Wein getrunken zu haben und wirkt ein leicht lächerlich mit seinem Blechnapf auf dem Kopf. Links von ihm Bacchus als Kind im blauen Kleidchen füllt gerade Wein ab. Dahinter Silenius mit einem Esel. Jupiter auf der anderen Seite hinter Merkur. Den Weinbecher in der einen Hand und einen Adler in der anderen.  Rechts neben Merkur sitzen wohl Cybele und Neptun in trauter Verbundenheit. Daneben Ceres und Apollo, ebenfalls trinkend. Zwei stehende Nymphen im Hintergrund, ein Satyr mit einer Schüssel auf dem Kopf. Eine halbnackte Schöne schläft am rechten Rand, ein stehender Mann neben ihr hebt das Kleid noch mehr zur Seite.  Es sind wohl  Priapus, der gerade die Nymphe Lotis veführt. Bei Ovid gelingt es ihm nicht und er wird zum Gespött der Götter. Pan sitzt nackt und Flöte spielend hinter Cybele. Am linken Rand ein weiterer Satyr von hinten.

Bellini hat hier Erotik und Humor vereint. 85 Golddukaten hat der Künstler von Alfonso d’Este dafür bekommen. Es sollte in einem der schönsten Renaissance Räume überhaupt hängen: im Alabaster Zimmer in Ferrara. Eine große Wertschätzung von Alfonso für den Künstler.

Nach dem Tod von Bellini 1516 haben zwei Künstler an dem Bild weitergearbeitet: Dosso Dossi und Tizian.

In der Ausstellung hängt das Bild neben einem Gemälde von Mantegna, in dem dieser sich ebenfalls mit Mythologie beschäftigt hat. « Minerva vertreibt die Laster aus dem Garten der Tugend ». Es entstand um 1500 und kam aus dem Pariser Louvre nach Berlin.

Die Metamorphosen (Verwandlungen) des römischen Dichters Ovid (um 1 n.C. bis ca. 30 – Ende der römischen Bürgerkriege) bestehen aus 15 Büchern von je ca. 800 Versen. Sie beschreiben die Entstehung der römischen und griechischen Mythologie auf der Basis von etwas 250 Sagen. Die Metamorphosen erfreuten sich immer großer Beliebtheit und wurden ab dem Mittelalter immer wieder von Dichtern und Malern als Inspirationsquelle benutzt. Das ging bis in die Barockzeit. Bei Ovids Geschichten geht es meist darum, dass ein Mensch oder ein Gott (kein wichtiger allerdings) in eine Pflanze oder in den Tier (auch Sternbild) verwandelt wird. Das Werk beginnt mit dem Paar Deukalion und Pyrrha, die einzig Überlebenden der großen Sintflut nach dem Chaos. Die Geschichten überschneiden sich auch schon mal. 

 

 

Christa Blenk

 

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Von Bach bis Piazzola

Der argentinische Bandoneonist und Komponist  mit italienischen Wurzeln, Daniel Pacitti,  gab am Donnerstag Abend im Internationalen Begegnungszentrum der Wissenschaft in Wilmersdorf ein Solo-Bandoneon-Konzert mit Werken von der Spätrenaissance bis zu einer erst im letzten Jahr entstandenen eigenen Komposition.

Das Bandoneon, das durch den Tango in der ganzen Welt bekannt geworden ist, ist in Deutschland heute eher unbekannt, obwohl es hier erfunden und bis zur Mitte des letzten Jahrhunderts auch sehr geschätzt wurde. Ursprünglich als Orgelersatz für Trauermärsche erfunden, ist es heute dem Tango verschrieben, dem das Triste, das Weinen um Gewesenes, das Melancholische gut steht.

Die Bandbreite seines Programms ging von einer Pavane von Caspar Sanz (1640-1710) über ein kurzes Prelude von Johann Sebastian Bach zu zwei sehr schönen Werken von Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

Der Tango kam natürlich auch nicht zu kurz. Pacitti spielte Werke von Hannibal Troilo (1914-1975), dem ursprünglich aus Frankreich stammenden Tango-Star Carlos Garcell (1890-1935) und von Astor Piazzola (1921-1992).

Pacitti präsentierte  auch ein von ihm im letzten Jahr komponiertes Werk « Bandoneón alemán – alma de Tango », das er im vergangenen November in der Philharmonie in Berlin zur Uraufführung brachte. Das Stück dauert 12 Minuten und ist für Bandoneon und Orchester geschrieben. Pacittis Leidenschaft für das Instrument allerdings, hat das Orchester gar nicht vermissen lassen.

 

cmb

 

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Eugen Onegin

Eisschmelze

 

Lyrische Szenen in drei Aufzügen hat Tschaikowskij dieses Werk genannt. Komponiert wurde die Oper 1878 – nach einem Versroman von Puschkin; sie kam 1879 im Moskau zur Uraufführung und zwar durch die Schüler des Moskauer Konservatoriums. Tschaikowski wollte unverbrauchte und unaffektierte Sänger für sein Werk. Die erste Aufführung vor großem Publikum kam erst zwei Jahre später und wurde ein großer Erfolg.

Lenskij ist ein junger, romantischer Dichter und in die freche, lebenslustige Olga verliebt. Deren Schwester Tatjana ist genau das Gegenteil: schüchtern und romantisch, liest sie Tag für Tag Liebesromane und wartet auf den Auserwählten. Den scheint sie gefunden zu haben, als  Lenskij seinen Freund und Dandy Eugen Onegin ins Landhaus der Gutsbesitzerin Larina mitbringt. Er macht sofort großen Eindruck auf Tatjana. Sie verliebt sich in ihn und schreibt ihm einen Brief. Er weist sie vornehm aber entschieden zurück. Tatjanas Geburtstag wird  mit einem großen Ball gefeiert und Onegin macht Olga den Hof und provoziert seinen Freund Lenskij. Es kommt zum Äußersten und Lenskij wird bei dem Duell getötet.  Onegin flüchtet ins Ausland. Jahre später kommt er zurück und merkt, dass Tatjana seinen älteren Freund, den Fürsten Gremin, geheiratet hat. Tatjana, nun eine selbstsichere Frau, weist Onegins Leidenschaft – die nun seinerseits erwacht ist – zurück und bittet ihn zu gehen. Sie entscheidet sich für ihren Mann.

Geschmeidig und romantisch Nicole Car als Tatjana. Für die Briefszene sitzt sie im Schneidersitz am Boden. Ein ihr ebenbürtiger Partner ist Etienne Dupuis mit seinem wohltönenden Bariton und verhaltener Arroganz, dem man die Wandlung vom Dandy zum leidenden Liebenden abnimmt. Matthew Newlin ist der feinfühlige und sensible Dichter Lenskij. Durch die Bank waren die Sänger sehr gut und perfekt für ihre Rolle.

Diese 50. Vorstellung seit der Premiere 1996 in der Deutschen Oper Berlin hat am 10. März 2019 Alexander Vedernikov dirigiert. Chor und Ballett meisterten wie immer großartig die schönen Choreinlagen und schwungvollen Tänze.

23 Jahre ist diese Produktion von Götz Friedrich alt und füllt immer noch das Haus. Die vorherrschenden Farben sind Weiß – Schwarz – Rot. Minimale und sehr schöne Bühnenbilder werden von rauschenden Ballszenen abgelöst. Ein Klassiker die Kirschplückszene mit dem Chor auf den Leitern.

cmb

 

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L’histoire du soldat

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„Man soll zu dem, was man besitzt, begehren nicht, was früher war. Man kann zugleich nicht der sein, der man ist und der man war. Man kann nicht alles haben. Was war, kehrt nicht zurück.“ (aus Geschichte des Soldaten)

 

Vor gut 100 Jahren wurde Igor Strawinskys (1882-1917)  „L’Histoire du Soldat“  (Die Geschichte des Soldaten) in Lausanne uraufgeführt. Zu diesem Zeitpunkt war er schon recht bekannt. Strawinsky kam 1910 nach Paris, brachte ein Jahr später das Ballett Petruschka auf die Bühne und wieder zwei Jahre später, 1913, das Skandalstück Le Sacre du Printemps.

Im Jahre 1918 lebt Strawinsky im Schweizer Exil und der einheimische Dichter Charles Ferdinand Ramuz schreibt ihm einen Text für ein Wanderbühnenstück für einen Vorleser und zwei Schauspieler, eine Tänzerin und sieben Musiker. Der Erzähler ist der Soldat und der Teufel, die Tänzerin ist die Königstochter.

Der Text wird in Gedichtform vorgelesen und von der Musik rhythmisch begleitet. Die erste deutsche Nachdichtung verfasste Hans Reinhart, seines Zeichens Bruder des Musikmäzens Werner Reinhart, der die Uraufführung im September 1918 in Lausanne ermöglichte. Dirigiert hat die Aufführung seinerzeit Ernest Ansermet. Kurze Zeit später hat Strawinsky die Geschichte des Soldaten für Geige, Klarinette und Klavier bearbeitet.

Krumme Töne, permanenter Rhythmenwechsel und Kindertrompeten assoziieren Zirkuszelt-Ambiente wie wir sie aus dem  Ballett Petruschka kennen. Der Komponist bedient sich hier bei Heimatmelodien, integriert Jazztöne, Walzer oder Tangofragmente. Das Stück hat nichts an Aktualität eingebüßt. Ein Miniatur-Faust mit ganz großer Wirkung. Ernst Bloch nannte das Stück einen „verlumpten Faust“.

Der Manegenzauber dieser Musik lässt aber trotzdem die Kriegsgeräusche des Ersten Weltkrieges nachklingen. 1918 waren unzählige Soldaten auf  dem Weg nach Hause und viele gingen dabei durch die Hölle, ohne dem Teufel zu begegnen.

Strawinskys Soldat begegnet und verfällt ihm: Der Soldat hat 14 Tage Urlaub und macht sich auf den Weg nach Hause zu seiner Mutter und seiner Braut, deren Foto er bei sich trägt. Unterwegs wird er vom Teufel in Gestalt eines alten Mannes angehalten und von ihm überredet seine Geige gegen ein Buch einzutauschen, das ihm Ruhm und Reichtum verspricht. Die einzige Bedingung ist, drei Tage im Hause des Teufels zu bleiben und ihm das Geigenspiel beizubringen. Er wird gut bewirtet und untergebracht und merkt nicht, dass die drei Tage drei Jahre werden. Kommt schließlich nach Hause wo ihn Alle für ein Gespenst halten und seine Braut Mann und zwei Kinder hat. Was tun? Jetzt kommt das Buch ins Spiel und der Soldat wird dadurch mächtig und reich aber unglücklich. Er irrt durch die Welt und kommt an einen Königshof, dort will er die kranke Tochter mit seinem Geigenspiel heilen. Er macht den Teufel betrunken und gewinnt beim  Kartenspiel die Geige zurück, heilt die Tochter und bekommt sie zur Braut. Nach Hause darf er aber nicht mehr. Dann kommt natürlich die Verlockung ins Spiel, seine Braut will sehen wo er herkommt. Ungern gibt er nach und auf dem Weg dorthin holt ihn wohl der Teufel!

Gestern Abend im Rahmen eines Strawinsky Festivals im Konzerthaus dauerte das Stück 75 Minuten. Der Schauspieler war Uwe Topmann, die Königstochter Isa Weiss. Am Pult Miguel Pérez Iñesta. Das Ganze eine Produktion des PODIUM Esslingen.

Interessante Aufführung.

cmb

 

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Le Passage du Gois

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Le terme « Gois« , vient du mot « goiser » qui signifie en patois local: « marcher en mouillant ses sabot »

Le passage du Gois est une route submersible d’un peu moins de 5 km dans la baie de Bourgneuf. Elle n’est praticable qu’à la période de basse mer. Il relie l’ile de Noirmoutier au continent. A marée haute, la mer recouvre la route sur une hauteur qui peut atteindra quatre mètres. Lorsque la mer monte, les flots encerclent l’île de Noirmoutier.

Il y a plus de mille ans, la rencontre de deux courants marins opposés qui contournent l’île de Noirmoutier, donnent naissance à un banc de hauts-fonds sableux qui s’ancrent sur des écueils rocheux. Les marins le nomment le Pé, mot emprunté au latin podium, hauteur. Au commencement du 18ème siècle ce passage reliant le continent à l’île est pour la première fois mentionné sur une carte géographique.  En 1766,  selon la tradition orale, Pierre Gauvrit aurait traversé à cheval pour la première fois le Gois. Pendant la Révolution, les royaliste se sont réfugiés sur l’île lors de la guerre de Vendée.

Vers 1840, une ligne régulière est assurée par une voiture à cheval. En 1930, l’ingénieur Louis Brien fait élever trois balises à hunes et six balises, dites « mâts de perroquet »  (tous les cinq cents mètres) comme sécurité aux piétons comme aux automobilistes surpris par la marée. Aujourd’hui, malgré de très nombreux panneaux indiquant les horaires de marée, il y a chaque année des incidents, mais très rarement mortels.

Les pêcheurs à pied garent leur voiture en empruntant ce passage s’ils ne veulent pas abîmer leur moyen de locomotion ou s’enliser. Le Gois est une partie de l’ancienne route nationale 148 qui reliait Noirmoutier à Limoges, devenue aujourd’hui la départementale 948. Depuis 1942 le Gois et ses dépendances sont inscrites à l’inventaire des monuments historiques.

cmb

Text über den Gois in deutscher Sprache

 Palourdes vom Gois

Salz von Noirmoutier

 

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Fernand Khnopff im Pariser Petit Palais

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 Ausstellungsplakat vor dem Petit Palais

 

Le maître de l’énigme (Meister der Rätsel)

Der „Décadentisme“ oder die „Fin-de-siécle“-Bewegung entstand um 1880 als Widerstand gegen die nüchternen Errungenschaften der Wissenschaft und den technischen Fortschritt; beide raubten der Welt ihre Geheimnisse und Mysterien. Die impressionistische Malerei ging in die Natur, verließ intime Innenräume, die Musik erlebte um 1900 radikale, klangliche und rhythmische Erweiterungen  und die naturalistische Literatur besann sich darauf, die Leiden der nicht-privilegierten Gesellschaftsschichten zu beschreiben. Überall bewegte man sich auf Glatteis und Errungenschaften des Adels und gebildeten Bürgertums schienen nicht mehr zu gelten. Bewusster Realitätsverlust sollte verträumte, kitschige Stimmungen und die Vergangenheit wieder aufleben zu lassen. Es entstanden Gruppen wie die Präraffaeliten oder die Nabis.

1886 veröffentlichte der Franzose Jean Moréas das „Symbolistische Manifest“. Der Symbolismus breitete sich in Europa, vor allem aber in Belgien schnell aus, während in Österreich Klimts Jugendstil das Sagen hatte.  Kunst sollte nur Schöpfung oder Kreation und nur sich selbst verpflichtet sein. Als Muse wurde der französische Dichter Charles Baudelaire erkoren und dessen Werk  „Die Blumen des Bösen“ (Les fleurs du Mal) wurde zur Bibel. Weltschmerz und Zukunftseuphorie im ausgehenden 19. Jahrhundert waren nahe beieinander wie Tod und Leben. Der Mann wurde zum frivolen Dandy und die Frau zur dämonischen femme fatale.

Fernand Khnopff (1858-1921), Dandy, Snob, Abkömmling einer gut bürgerlichen Juristen-Familie aus Brügge, schwamm und träumte mittendrin. Bis zu Beginn des Ersten Weltkriegs der Traum wirklich zum Alptraum wurde.

Khnopff könnte durchaus im Frack an der Staffelei gestanden haben. In Brüssel hat er sich eine Art Heiligenschrein bauen lassen, seinen „Tempel des Ich“, wo er seinem Lieblingsgott, Hypnos, huldigen konnte.

Die Werkschau will die Atmosphäre der Villa Khnopff in Brüssel wiedergeben. So betritt der Besucher die Ausstellung durch das nachgebildete Portal dieses palastähnlichen, egozentrischen Hauses. Man weiß nicht sehr viel über ihn oder sein Leben – er hat es verstanden, auch daraus ein Geheimnis zu machen. Fasziniert war er von den Schriftstellern wie Mallarmé oder Rodenbach. Letzterer bekannt für das chef-d’oeuvre des Symbolismus: „Bruges-la-Morte“.  Auf Rodenbachs Wunsch hat Khnopff 1892 den Einband für das Buch entworfen. Er zeigt eine Ophelia mit langen, romantischen Haaren. Im Hintergrund ist eine Brücke über einen Kanal und Bürgerhäuser zu sehen. Der Komponist Erich Wolfgang Korngold hat über 25 Jahre später die Oper „Die tote Stadt“ aus diesem Stoff  komponiert.

Fasziniert sein Leben lang vom chthonischen, griechischen Schlafgott Hypnos, ist Khnopff der Meister der traumdeuterischen Malerei geworden. Für ihn war der Schlaf „das Perfekteste was unsere Existenz zu bieten hatte“. Es geht hier um den betörenden, geborgenen und behüteten Schlaf, jedenfalls auf den ersten Blick, ob daraus allerdings ein Nachtmahr voller Chimären werden sollte, bleibt dem Betrachter überlassen.

Khnopp, eigentlich Student der Rechtswissenschaften, kam in Brüssel über Galerie- und Salonbesuche zur Malerei. Weiterhin beeinflussten ihn Odilon Redon, Ingres, Delacroix oder James Ensor und natürlich Gustav Klimt. Mit ihm und Josef Hoffmann arbeitete er zu Beginn des 20. Jahrhunderts am Palais Stoclet in Brüssel im Stil der Wiener Secession. Seine großen Vorbilder waren allerdings die englischen Präraffaeliten Edward Burne-Jones und Dante Gabriel Rossetti, deren Arbeiten er auf der Pariser Weltausstellung 1878 entdeckte. Sicher kannte er die Arbeiten der deutschen Nazarener-Gruppe, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts in Wien und Rom die Renaissance-Vergangenheit heraufzubeschwören versuchte .

Um 1600 ist seine Familie von Wien in die südlichen Niederlande gekommen. Erst mit 20 Jahren schrieb sich Khnopff an der Brüsseler Kunstakademie ein. Die ersten Werke waren naturalistische Landschaften oder Portraits.  1884 nahm er zum ersten Mal auf dem Pariser Salon teil und wurde sofort zum Liebling der Bourgeoisie. In den Jahren bis 1890 malte er 34 Portraits, immer wieder stand ihm seine Schwester Modell, mit ihr wohnte er auch bis zu seiner Heirat zusammen.

Vor 40 Jahre waren Khnopffs Arbeiten zum letzten Mal in Paris zu sehen. In Deutschland so gut wie gar nicht.  2004 gab es eine umfangreiche Ausstellung in Brüssel und Salzburg. Viele seine Werke sind in Privatsammlungen und aufgrund der Empfindlichkeit dieser ist es schwierig, sie zu transportieren. Eines seiner Hauptwerke und überhaupt eines seiner größten Arbeiten, das Gemälde  „Memories“ ist aus diesem Grund nicht nach Paris gekommen, es wird aber umfangreich und hinlänglich besprochen und mit Skizzen, Zeichnungen und Fotos dokumentiert.  Hier ist der Einfluss der gerade um sich greifenden Fotografie erkennbar, obwohl Khnopp diesen bei seinen Werken gerne geleugnet hat.  „Memories“ entstand 1889. Sieben junge Frauen der besseren Gesellschaft haben wohl gerade ihr Tennisspiel beendet. Die Lichtverhältnisse vermitteln eine Spät- Nachmittags-Stimmung. Sie stehen teilnahmslos und unabhängig einfach nur so auf dem Rasen, mit dem Tennisschläger in der Hand. Sie kommunizieren nicht miteinander, besprechen nicht freudig den Tag im Freien, das Erlebte oder feiern die Gewinnerin. Nein, ihre großen, kantigen Gesichter blicken ins Leere, ihre Hände oder Körper berühren sich nicht. Sie stehen da, wie eine Ballettgruppe, die auf den Choreografen wartet, um zu erfahren in welche Richtung sie sehen oder gehen oder was sie tun sollen. Vielleicht warten sie aber auch, in Teams eingeteilt zu werden und fangen gerade erst an zu spielen. Ein Ball ist nicht zu sehen und die Schläger wirken wie Dekor. Nicht einmal besonders sportlich sehen sie aus und ähneln Puppen, die nur unterschiedlich gekleidet sind: kein Wunder, seine Schwester hat für alle Sieben Modell gestanden. Ferdinand Hodler hat auch solche Gruppenbilder gemalt, bei denen kein Zusammenhang zwischen den Personen zu vernehmen ist.

Memories hängt im Musées Royeux des Beaux-Arts in Brüssel  und ist eigentlich auch nur wieder das Portrait einer Person. Personen, allein und verloren  im Bild, waren seine Lieblingsmotive.

 „I lock my door upon myself“ (ich schließe mich in mich selbst ein) entstand 1891. Es gehört der Neuen Pinakothek München. Khnopff, der ein großer Bewunderer des Aesthetic movement war, hat es nach einem Gedicht von Cristina Rossetti – die Schwester des Mitbegründers der Gruppe gleichen Namens – gemalt. Das Bild ist eine Allegorie der Einsamkeit inmitten von verdorrten Blumen. Es hat etwas morbides, verdorbenes, unheimlich trauriges und beschreibt den feinfühligen Defätismus, der Khnopff umgab. Eine Untergangsstimmung, die in vielen seiner Werke zu finden ist. Das bekannteste Bild von ihm  „L’art ou Des caresses“ (Kunst oder Die Liebkosungen) entstand fünf Jahre später. Darauf umarmt ein liebliches, androgynes Mädchen einen hermaphroditischen Geoparden mit gelocktem Frauen-Rotschopf. Beide Köpfe ähneln sich. Das Bild hängt im Musée Royeux des Beaux Arts Brüssel und ist eines der wenigen großflächigen Bilder, bei dem Körperkontakt besteht und das Bild des Symbolismus schlechthin.

Ab 1890  war Khnopff regelmäßig in London und mit dem Aesthetic Movement in Berührung. Die neuen Kunsttendenzen zu Beginn des 20. Jahrhunderts sind an ihm vorbeigelaufen. Er hat sich nicht wecken lassen, weder vom Kubismus noch vom Futurismus und auch nicht von den Expressionisten.

Wie hypnotisiert und vom Schlafgott Hypnos eingefangen  blicken die Frauen aus den Bildern mit großen Gesichtern. Man bekommt den Eindruck, dass er sich nie entscheiden konnte, ob er einen Mann oder eine Frau malen sollte.  Die Frauen oder Personen auf seinen Bildern blicken mit Nosferato-Augen wie durch eine Nebelschicht aus dem Bild heraus – frontal direkt auf den Betrachter gerichtet aber durch ihn hindurch.  Nebelschleier waren in Flandern sicher an der Tagesordnung und sorgen für diese entfernte Stimmung, oder das eingeschlossene der Gesichter, wie zu eng geratene Bilderrahmen. Bei Klimt oder von Stuck ist dies auch zu erkennen. Für Le Masque au rideau noir stand auch Schwester Marguerite Modell. Es ist 26,5 x 17 cm groß und aus einer Privatsammlung. Wie ein  Gespenst irrlichtet sie durch Khnopffs Werk. Auch nach seiner Hochzeit bleibt sie sein Gesicht. Er hat sie idealisiert. 1887 hat er von ihr ein Ganzkörperportrait erstellt. Dort steht sie wie eine weiße Karyatide, eingezwängt in einen Türrahmen mit verschobener Perspektive. Was wohl Freund hierzu gesagt hätte (der Wiener Tiefenpsychologe befasste sich in dieser Zeit vor allem mit der Hypnose)?

Das Triptychon Solitude besteht aus drei ca 150 x 45 cm großen Frauenkörpern: In der Mitte unnahbar, kalt, androgyn, schwarz gekleidet mit einem Schwert Solitude, flankiert von zwei Figuren aus dem Gedicht „The Faerie Queene“ von Edmund Spenser (1590). Auf der einen Seite Britomart, die keusche Kriegerin in einer Rüstung und auf der anderen Seite Acrasia, lockende, schöne Verführerin, nackt nur vom roten Haar oder einem transparenten Schleier entkleidet. Das Triptychon ist nur hier in der Ausstellung zusammen, ansonsten sind die Drei getrennt. Die Gemälde entstanden zwischen 1890 und 1892 und hängen im Musée Royaux des Beaux-Art de Belgique (Acrasia), in der Sammlung der Fondation Neumann, Gingins (Solitude) und in einer Privatsammlung (Britomart).

Auch aus der Mythologie bediente Khnopff sich gerne. „Sleeping Medusa“ (1896) zeigt den Kopf eine schlafenden Frau auf einem Adlerkörper; zwei Jahre später nahm er mit Le Sang de Médusedas Medusa-Thema nochmals auf. Diesmal sieht man nur Medusas Kopf mit Schlangenhaar, wieder sind ihre Augen geschlossen und ihr Kopf nimmt 2/3 des Bildes ein (21,2 x 13,4 cm). Die Gelb- und Grautöne werden nur von der goldenen Explosion unten rechts unterbrochen, als Pegasus aus dem Blut der Medusa entsteht.   

Khnopffs Landschaften erzählen von früher, sind Erinnerungen, vor allem an seine Ferien in Fosset oder die Kindheit in Brügge.  Auf ihnen erkennt man seine Bewunderung für die alten Flamen wie Memling, aber auch ein Einfluss von Vermeer kann nicht verleugnet werden.

Ein Bild heisst „Schumann hörend“ und zeigt den Schmerz und Kummer der in sich versunkenen Zuhörerin – dieses Mal war seine Mutter das Modell.  Es gibt ein ähnliches Bild von James Ensor „La musique russe“ das zwei Jahre vorher entstand und ihm wohl als Inspirationsquelle diente. Ensor war darüber nicht gerade beglückt und bezeichnete Khnopff als Plagiator, zumal die Bilder gleichzeitig im avantgardistischen Salon  XX – den beide mitbegründeten – gezeigt wurden. Die Beziehung der ehemaligen Freunde war für immer zerstört.

 

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 Portrait von Marguerite (hier steht sie als Karyatide in der Eingangshalle des Petit Palais),
 Ausstellungsraum und Eingang zur Ausstellung

 

Fernand Khnopff kannte keine Berührungsängste, arbeitete auch als Journalist und Dichter, Bilderhauer und Bühnenbildner.  1903 entwarf er die Kulissen für das Rodenbach Stück Le Mirage im Auftrag des Deutschen Theaters Berlin unter der Regie von Max Reinhardt.

Khnopff zählt zu den belgischen und europäischen Hauptvertretern des Symbolismus. Zu sehen sind meist zarte Arbeiten, ruhige, melancholische Landschaften, einsame Portraits, Traumwelten seiner Jugend oder Urlaubserinnerungen. Er selber wohnte lange bei seiner Mutter und seine Schwester Marguerite war sein Lieblingsmodell. Er hat bis zu seiner späten Heirat mit ihr gelebt, hat sie verkleidet, drapiert und idealisiert.  Ob die Beziehung der Beiden inzestuös war, weiß man nicht.  

Mit dem Pariser Petit Palais hat man einen perfekten Ort für diese Ausstellung mit ca. 150 Exponaten gefunden. Bis zum 17. März ist sie noch zu sehen. 

Die Schau entstand in Kooperation mit den Königlichen Museen der Schönen Künste in Brüssel. Michel Draguet, Direktor des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Christophe Leribault, Direktor des Petit Palais und Dominique Morel vom Petit Palais haben diese sehr informative und umfangreiche Werkschau über Leben und Wirken des Künstlers zusammen gestellt. Die Exponate kommen aus Brüssel, anderen europäischen Museen oder (belgischen) Privatsammlungen. Sehenswert auf jeden Fall!.

Christa Blenk

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Symbolismus-Ausstellung in Mailand

Präraffaeliten

 

 

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Martha Argerich und Daniel Barenboim in der Philharmonie

Das V Abonnementkonzert am 25. Februar 2019 wurde von Martha Argerich und  Daniel Barenboim bestritten und sorgte – wie soll es auch anders sein – für ein volles  Haus. Das Programm war so zusammengesetzt, dass immer ca. 100 Jahre zwischen den jeweiligen Werken lagen, die  – wie Zeitzeugen das tun – die jeweilige Welt erklären und beschreiben.

Die Sinfonie in h-Moll Nr. 8 – „ Unvollendete“ von Franz Schubert (1797-1828) leitete das Konzert ein. Sie entstand 1822. Es werden generell nur zwei Sätze gespielt, da von den anderen nur minimale Ansätze oder Fragmente erhalten sind.

Sergej Prokofjew (1891-1953) komponierte das  Klavierkonzert Nr. 3 zwischen 1917-1921. In diesem Jahr fand auch die Uraufführung in Chicago statt. Es gilt als Prokofjews übersichtlichstes Klavierwerk, ist voller musikalischer Inspirationen, weich und brillant und sehr beliebt. In Chicago kam es nicht gleich zum großen Durchbruch, dieser  kam dafür ein Jahr später in Paris mit dem Maestro selber am Klavier.

Martha Argerich und Daniel Barenboim sind fast gleichaltrig, ihre Mütter waren befreundet und sie kennen sich schon über 50 Jahre – aus der Argentinien-Zeit. Gemeinsam haben sie als Kinder Celibidache vorgespielt. Und gemeinsam spielen tun sie immer noch gerne, wie auch gestern Abend, als sich zusammen für die Zugabe ans Klavier setzten und etwas aus der Bizet Suite „Kinderspiele“ vortrugen. In der Philharmonie ist dieses Musiker-Paar schon öfters gemeinsam aufgetreten.

Nach der Pause ging es weiter mit Jörg Widmanns (*1973) – Babylon Suite für großes Orchester.

Jörg Wittmann ist vor allem als Klarinettist bekannt und hat schon mit vielen großen Dirigenten auf der Bühne gestanden. Darunter Kent Nagano, Christoph Eschenbach, Simon Rattle  oder Daniel Barenboim. Komposition studierte er u.a. bei Hans-Werner Henze und Wolfgang Rihm.

Die Babylon-Suite entstand nach seiner 2012 entstandenen Oper « Babylon » (diese wird im März in der Staatsoper aufgeführt) nach einem Libretto von Peter Sloterdijk. Die Bayerische Staatsoper brachte sie 2014 zu Uraufführung. In sieben Bildern wird die sagenumwobene Stadt Babylon beschrieben und ein großartiges Sprachen- bzw. Notenwirrwarr ist dieses Werk allemal. Hier tummeln sich die bekannten Musikstile oder Rhythmen und Widmann scheut nicht zurück, sich von allem zu bedienen. Es ist ein cross-over von Welten, Kulturen und Religionen neben- über- und untereinander: Zeitgeist pur! Die Zahl 7 spielt dabei auch eine Rolle.

Das Grafenegg Festival hat die Suite 2014 in Auftrag gegeben. Die Zutaten aus der Oper finden sich hier wieder (Bilder 1,3,5,6 und 7). Widmann hat allerdings die Übergänge und Zusammenschnitte neu gestaltet. Im Großen geht es um die babylonische Priesterin Inanna und Tammus Liebe zu ihr. Inanna ist frivol, leichtlebig und  sie lockt durch Vibraphon oder Glockenspiel, Tammu zaudert, sie macht sich lustig über ihn, belächelt ihn. Dann kommt das melodische Liebeslied das – von den Trommeln eingeleitet – in einen deftigen Bayerisch-babylonischen Marsch übergeht und Oktoberfest-Gefühle hervorruft. Eine gewollte Motivwiederholung mündet in ausgelassene Karnevalsmusik, die zu Jazzrhythmen übergeht und dann exotisch-orientalisch wird, bis ein Walzer Inanna in die Unterwelt wirbelt. Die Geschichte endet aber dann doch positiv und ein neuer Vertrag soll das Zusammenleben von Menschen und Göttern gerechter und unparteiisch regeln.

Man kommt gar nicht mit, so schnell ändern sich Stimmungen, Musik und Rhythmen. Es macht großen Spaß dies zu hören und jetzt freut man sich noch mehr auf die Oper in drei Wochen. 

cmb

 

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Haußmanns Staatssicherheitstheater

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Mit Haußmanns Staatssicherheitstheater gräbt Leander Haußmann den „Schrebergarten der Stasi“ um, inszeniert eine Komödie über den Verrat, die große Stunde der Dilettanten, den Wert der Kunst und die Stasi als verlängerten Arm der kleinbürgerlichen Mittelmäßigkeit. Nach Hauptmanns Einsame Menschen, Plenzdorfs Legende von Paul und Paula und Ibsens Schloss Rosmersholm kehrt Leander Haußmann mit dieser Uraufführung zurück an die Volksbühne. (Quelle: Volksbühne).

Das Bühnenbild (sehr gelungen) von Lothar Holler ist ein dreistöckiges Haus ohne Wände und alles was passiert, wird festgehalten: sei es  über Video oder Tonband. Es gibt ein Büro (das von Erich), eine Kneipe, ein Schlafzimmer, ein Wohnzimmer, Treppen rauf und runter  und eine Dachterrasse auf der Wäsche zum Trocknen hängt – und das Publikum ist immer mit dabei. Einmal sieht es sich sogar auf dem Bildschirm selber.

Der Schriftsteller Ludger Fuchs outed sich dem Publikum gegenüber als unverbesserlicher und chronischer Lügner, während seine Frau Ramona zu Hause in der Stasi-Akte außer alten Fotos auch Liebesbriefe von ihm an eine Andere findet, die er schon kurz nach der Hochzeit geschrieben hat. Er kommt nach Hause, sie zetert und da hilft ihm auch seine langjährige Lügenerfahrung nicht mehr aus der Patsche und er resümiert:  „Da schafft es die Stasi nun doch noch, uns auseinanderzubringen.“

Dann geht es zurück in die Stasi-Vergangenheit. Es wird viel herumgebrüllt und monologisiert.

Die Bohème am Prenzlauer Berg um das Viertel LSD (Lychener/Schliemann-/Dunckerstraße), gerät immer mehr aus den Fugen und aus den Griffen des Ministeriums für Staatssicherheit. Sie sind nicht mehr zu kontrollieren und schaffen unerklärliche Kunst.  So wird kurzerhand eine Sondereinheit gegründet und bewährte (oder nicht bewährte) Mitarbeiter werden zu Künstlern geschult und werden selber zur Avantgarde. Das passiert in lauwarmen déjà-vu slapstick Szenen und bewährten Lacheinlagen. Zwischendurch wird immer wieder gesungen, manchmal auch gut, aber der Abend zieht sich lange hin.

Im autobiografischen Programmheft erfahren wir von einer dokumentierten IM-Denunziationen von 1987 aus dem Theater Gera, über ihn und seine Schauspielfreunde, die im Stück auch eine Rolle spielen.

Mit: Uwe Dag Berlin, Antonia Bill, Waldemar Kobus, Horst Kotterba, Matthias Mosbach, Christopher Nell, Silvia Rieger, Eric Spiering, Norbert Stöß und Lennart Hillmann, Karl Schaper, Daniel Felix Adolf (Studenten der Hochschule für Schauspielkunst « Ernst Busch »), sowie Sir Henry (Piano), Herman Herrmann (Gitarre), Elise Brehmer (Cello), Oscar Stöß (Trompete)

Die Uraufführung fand  am 14. Dezember 2018 statt.

cmb

 

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Foodcolour and Art – Nadine Ajsin

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Nadine Ajsin in der Galerie Makowski bei ihrer ersten Einzelausstellung
mit dem Bild „The Guitar“  - © Christa Blenk
 

Artikel für KULTURA EXTRA

Himbeer-Regenbogen in der Labor-Küche

„Mut steht am Anfang des Handelns, Glück am Ende“ (Demokrit um 400 v.C. )

Nadine Ajsin hat vor zwei Jahren ihr Leben und Künstlerleben komplett umstellen müssen, als sie nach einer schwerwiegenden Kohlenmonoxid-Vergiftung chronische Allergien auf  Acryl- und Ölfarben, Duftstoffe oder sonstige Chemikalien, die eine Künstlerin für ihre Arbeit braucht, entwickelte. Die zweifache Mutter, die mit ihrer Familie in der Nähe von Mannheim lebt und in Heidelberg Kunst studiert, kann nur mit Atemmaske am öffentlichen Leben teilnehmen. Aber: Not macht erfinderisch!  So entstand die Idee, mit Lebensmittelfarben zu malen. Da diese aber recht schnell vergammeln oder Schimmel ansetzen, musste sie eine Lösung finden, ihre Arbeiten haltbar zu machen. Jetzt kommt ihre Spiegelreflex ins Spiel. Die Künstlerin fotografiert also ihre essbaren Kunstwerke und lässt sie anschließend großformatig als Echtfotoabzug in Ultra HD auf Alu Dibond drucken. Allerdings legt sie großen Wert darauf, dass jedes Bild – trotz dieser Technik –  ein Unikat ist; auf dem Computer bessert sie höchstens mal einen Farbton nach oder korrigiert die Schärfe.

Das alles hat vor weniger als einem Jahr begonnen. Die Kunstwelt hat auf ihre mutige und einfallsreiche Idee recht positiv reagiert und Ajsin ist seitdem zu verschiedenen internationalen Kunstmessen eingeladen worden. So waren ihre Werke auf der Art Fair Zürich oder auf der Kunstmesse Leipzig zu sehen. Auf der Red Dot in Miami war sie mit zwei großen Werken vertreten.    

Ihre Küche wird zum Labor-Atelier und die Zaubersprüche findet sie auf einem Marmeladenbrot, Wassereis oder im Nudelwasser. Denn wenn dieses übersprudelt, entstehen individuelle, aleatorische und nicht reproduzierbare, flüchtige Formen die entschwinden, sobald der Wischlappen zum Einsatz kommt. Aber die Künstleraugen haben die Formen registriert und so entstehen knallige, gegenstandslose Arbeiten. Diese spontane und zufällige Formauflösung lässt nur noch Farben zu. Ajsin ist ein action painter mit einem Hauch Art brut und muss sich weder an Regeln, vorherrschende Stile oder Protokolle halten, wie das auch schon die Maler zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht getan haben.  Ein leeres Blatt erobert sie sich, in dem sie persönliche Stimmungen oder Gefühle einfach aus sich heraus sprudeln lässt. Erst wenn sie entscheidet, dass das Werk fertig ist,  kann sie aus dem Raum gehen und sich anderen Dingen zuwenden. Deshalb fühlt sie sich auch zu Künstlern wie Dietmar Brixy oder dem Künstlerduo Herakut hingezogen aber auch Branskys provokative Schredder-Aktion fasziniert sie.

Ihre Farbpalette riecht nicht nach Ölfarben oder Spiritus sondern nach Himbeeren, Zitronen oder Pflaumen. Die Zutaten für ihre Gemälde holt sie sich nicht aus einem Künstlerzubehörgeschäft sondern aus dem Bioladen oder aus dem Supermarkt. . Lebensmittelfarben sind unkompliziert und lassen sich ganz leicht mischen. Mit Pinsel unterschiedlicher Größen oder auch mit ihren Fingern trägt sie die Azo-freien Lebensmittelfarben auf große Geschirrplatten, Obstteller oder andere glatte Oberflächen auf. Die meisten Werke sind gegenstandslos. Das Bild The Guitar (150 cx 100 cm) hingegen ist eines ihrer wenigen Bilder im Längsformat; sie hat es  für einen Musikerfreund entworfen.

Nadine Ajsin ist naturverbunden und sieht und riecht überall bunte Blumen. Ihre Allergien verhindern praktisch größere Reisen. Sie lernt die Welt durch ihre Arbeiten kennen und wenn ein Bild von ihr in Miami ausgestellt wird, dann ist sie in Gedanken mit dabei. Natur, Freiheit, Ursprung, Unendlichkeit sind ihre Maxime. Sie ist eine lebensbejahende Optimistin und drückt das mit den Knallfarben aus, obwohl die leidenschaftlichen Blüten nicht nur an Georgia O’Keefes nahsichtige Blumenmotive sondern auch an fleischfressende Gewächse denken lassen, die sie paradoxerweise mit essbaren Farben malt. Das Begehen von unbekannten Wegen bedeutet für Ajsin auch eine Reise ins Vertrauen. Nadine Ajsin ist eine Frau, die – um mit Fontanes Worten zu sprechen – ein Dutzend Austern bestellt, in der Hoffnung, sie mit der Perle, die sie darin findet, bezahlen zu können.

Manche ihrer Arbeiten bewegen sich weg von der berauschenden, farbenprächtigen karibischen oder asiatischen Flora und Fauna. Einige ihrer Werke wirken wir Riesen-Vergrößerungen eines Mikroorganismus, den man  durch ein Reagenzglas in Vergrößerung betrachtet. Es sind ungehemmte Farbkombinationen und Klekse unter dem Mikroskop. Vielleicht spielt ihr hier das Unterbewusstsein einen Streich, denn bedingt durch ihre Allergien, hat sie so einige Krankenhausaufenthalte hinter sich. Aber auch diese Bilder vermitteln keine dramatischen Situationen, es sind eher fröhlich tanzende und sich amüsierende Einzeller, bunte Organismen.   Ahmt hier die Kunst das Leben nach oder das Leben die Kunst. Diese Frage hat sich Oscar Wilde schon gestellt.

Wenn man ihre Kunstwerke einem Stil zuordnen möchte dann wäre das ein individueller, abstrakter, informeller Neo-Expressionismus. Die Farben fließen wie zarte Rinnsale ineinander, trennen sich und vereinen sich schließlich zu wuchtigen, kompakten Farbflächen. Sie fängt den Zauber mit ihrer Farbpalette ein und wer weiß – ihre Kinder essen himbeerfarbenen Spinat vielleicht genauso gerne wie Eis am Stiel.

Nadine Ajsins Kunst ist noch ganz am Anfang, aber das Potential, den Mut und die Kraft einer originellen Künstlerin hat sie allemal.

Beyond The Horizon titelt ihre erste Solo-Show in Berlin, zu der sie mit ihrer Familie im Zug angereist ist. Die Schau ist noch bis zum 7. März 2019  in  der Galerie Makowski in der Friedrichstraße zu sehen. Anschließend werden einige ihrer Bilder zur Art Fair nach Bath reisen, dann nach New York und schließlich von dort zur Asia Contemporary Art Show nach Hong Kong. Nadine Ajsin wird  in Gedanken mit dabei sein.

 

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Besucher in der Galerie Makowski am Tag der Vernissage

 

Christa Blenk

 

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