Fuck the facts – Neuköllner Oper

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Neuronen, Binärcodes und Bytes sausen und rechnen im Schnelldurchlauf über die Wand. Botschaften darauf sind fast nicht zu lesen, so schnell geht es. Bevor man etwas verstanden hat, ist es schon wieder vorbei, bzw. hat sich weiter entwickelt.

Und so geht das eine gute Stunde – so lange dauert die Aufführung. Wie ein frischer Wind weht sie an uns vorbei. Da einzig Verlässliche ist Händels Messias Musik, die stimmgewaltig und mit gekonnter Leichtigkeit von den umwerfenden Darstellern ins Publikum geschmettert wird.

« Willkommen im Zeitalter der Selbstermächtigung. Einfach den Rechner anschalten und twittern, posten und trollen was das Zeug hält. Self-entitlement worldwide, das galt für die Virtual Spaceriders des Artischocken-Kultes schon immer. Motto: Make Internet great again! Aber was passiert, wenn die Artischocken sich gegenseitig an die Gurgel gehen? Um einen Wald in ein Häuflein Asche zu verwandeln braucht es nur eine Zigarette. Um das Internet brennen zu lassen braucht es nur einen tweet. Ob Fake, ob Fakt oder Fiktion? Egal, ICH habe gesprochen. ICH brauche keine Gegenrede, ICH bin schon Demokrat. Fuck the facts, you`re not my Dad! Unsere fiktive Geschichte spielt (auch) mitten in Berlin. / Informiert durch einen wahren Fall zwischen messianischer Heilserwartung und tribal justice im Global Village. Wir fragen: Wer spricht eigentlich da draußen im privatisierten Internet-Gericht? Wer sind die selbsternannten Cyber-Sheriffs? Und warum haben sie uns ein großes Holzpferd mitgebracht? » (Quelle: Neuköllner Oper)

Aber worum geht es eigentlich? Es geht um Hacker, Verrat, Überwachung und Versprechen, meist um die nicht eingehaltenen. Und um Opfer, die man bringen muss, damit sich etwas ändert. Robespierre, der strenge Jakobiner (aber Jake heißt nicht wegen ihm so sondern wegen Jacob A.),  hat das auch so gesehen. Um ihn zu zitieren, hat die Party auch in Kleidern aus seiner Zeit stattgefunden und die Verse imitierten den Rhythmus des 18. Jahrhunderts, den von Voltaire oder Schiller, diese haben ebenfalls mit scharfem Blick, Spott und Sarkasmus die Missstände ihrer Zeit kritisiert. Aber die Errungenschaften unseres Jahrhunderts ermöglichen natürlich viel mehr (Überwachungs)Möglichkeiten. Leicht und spritzig ist die Aufführung, geht in die Tiefe ohne schwerfällig zu werden. Die Geschichte verliert sich dann doch sehr schnell – wie wäre es anders zu erwarten – im allzu Menschlichen, aber einiges muss  man dann doch ernst nehmen!

Basieren tut das Ganze auf einer Materialsammlung der Journalistin Anna Catherin Loll über den Fall des US Journalisten und Internet Hackers Jacob Appelbaum.  Großartig kommen die vier Darsteller Allen Boxer, Hrund Ósk Árnadóttir, Angela Braun, Mario Klischies und Bijan Azadian rüber. Sehr beeindruckend der US Bariton Allen Boxter und die isländische Koloratursopranistin Hrund Osk Árnadóttir, die sicher auch ohne Mühen einen kompletten Messias durchstehen würden.

Loll hat auch den Text zu dem Stück verfasst; Regie hat Christina Römer geführt. Bijan Azadian hat die vier Darsteller auf seinem Spinett des 21. Jahrhundert begleitet und « dirigiert » . Die Musik stammte aus  Georg Friedrich Händels Messias und zeigt wieder einmal, wie modern und rhythmisch Barockmusik doch ist.

Christa Blenk

 

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Das Diptychon von Melun

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In Ermangelung einer « echten » Sonderausstellung auf dem Kulturforum gibt es seit Mitte September dort das Diptychon von Melun von Jean Fouquet samt Nebenwerken zu sehen.

Es handelt sich hier um eines der Hauptwerke der französischen Malerei – und so ist es auch in allen französischen Lehrbüchern abgebildet. Jean Fouquet hat es in der Mitte des 15. Jahrhundert gemalt.

Der linke Flügel, der den Stifter Etienne Chevalier und den Hl. Stephanus zeigt, gehört schon seit 1896 der Gemäldegalerie. Der rechte Teil hingegen, die Madonna – man sagt, dass sie die Züge von Agnès Sorel, der Geliebten des französischen Königs, trägt. Sie ist umgeben von roten Cherubinen auf blauem Hintergrund und hängt normalerweise im Museum für Schöne Künste in Antwerpen. Aus dem Louvre kam das Emailmedaillon mit dem Selbstbildnis des Künstlers, das einst den Rahmen des Diptychons zierte. 80 Jahre haben sich diese drei Teile nicht mehr getroffen.

Weitere bedeutende und begleitende Werke im Ausstellungsraum sind ein Portrait des Narren Gonella aus Wien, das man ebenfalls Jean Fouquet zuschreibt. Großartige Portraits von Jan van Eyck, Petrus Christus und Rogier van der Weyden sowie eine Zeichnung von Benozzo Gozzoli, die u.a. die Grundlage für Fouquet Portraitmalerei bilden.

cmb

 

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The Situation am Gorki Theater

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The Situation – ein etwas anderer Deutschkurs am Maxim Gorki Theater

Acht Lektionen Deutsch in 90 Minuten

Political correct geht es nicht immer zu in diesem witzigen fast-Boulevardstück und es wimmelt nur so von Gemeinplätzen, Vorurteilen, politischen und kulturellen Klischees, die  die  israelische Regisseurin Yael Ronen alle in einen Topf wirft. Aus diesen ad absurdum Kulturbrühen-Zutaten soll Stefan nun einen Unterricht kochen und das gelingt ihm sehr  kurzweilig und verlegen-feinsinnig.

Mit Schlagfertigkeit und  schwarzem Humor saust dieses Hin und Her zwischen hebräisch, arabisch, englisch und deutsch so schnell an uns vorbei, dass man oft gar nicht mehr weiß ob man die Untertitel liest oder zuhört. Die Flagge ihres Herkunftslandes hat die Kostümbildnerin Amit Epstein in die Bekleidung der Darsteller eingebaut

Wir sind in Neukölln/Berlin, also mehr oder weniger auf neutralem Boden. In 90 Minuten versucht Stefan (Dimitrij Schaad) den palästinensischen, syrischen, israelischen Schauspielerinnen und Schauspieler sprich,  seinen Schülern Hamoudi (Ayham Majid Agda), Karim (Karim Daoud), Laila (Maryam Abu Khaled), Noa (Orit Nahmias) und Amir (Yousef Sweid) auf einer positiv-gelben Schultreppe Deutsch beizubringen. Sie kommen alle aus dem von Unruhen gebeutelten Nahen Osten und haben unterschiedliche Sprachniveaus – das geht von A 1 bis C 1.  Stefan  hat es nicht leicht, das Noch-Paar, der Palästinenser Karim und die Israelin Noa streiten sich und Hamoudi kann unmöglich neben einer Frau aus Israel sitzen. Man darf nicht über die Vergangenheit reden, denn vor dieser sind sie geflüchtet; über die Zukunft auch nicht, denn wegen der Situation gibt es für sie keine. Und die Gegenwart geht sowieso nicht. Also versucht er es mit der Möglichkeitsform. Stefan will den Nahen Osten retten und fängt damit an, dass er Hamoudi bei sich wohnen lässt. Allerdings macht er das nicht unbedingt selbstlos, denn Stefan ist schwul und wurde gerade von seinem Freund verlassen. Dann soll er auch noch den antisemitischen Text von Amirs Rap-Song ins Deutsche übersetzen.

Der erste Teil ist witzig-feinsinnig und es gibt viel zu Lachen; im zweiten Teil wird es dann philosophisch-intim und die Darsteller erzählen über sich.  Stefan, der plötzlich zum Hauptprotagonisten des Abends wird,  beginnt in einem etwas zu langen und schon ein wenig pathetischen Monolog  von seiner kasachischen Kindheit (jawohl, auch er ist nicht in Deutschland geboren und ein  Musterbeispiel der Integration) zu erzählen. Er ist dem Publikum zugewandt, und während die anderen auf der Treppe sitzen und ihren Gedanken nachhängen, verrät er uns, wie sehr er unter der Einsamkeit in der kleinen Wohnung im Rheinland gelitten hat, wo er als Achtjähriger mit seinen Eltern landete. Wir erfahren, dass er durch seine Freunde ARD und ZDF perfekt Deutsch lernte und für seine Eltern alle Behördengänge erledigte und wie er die Achtung für seinen Vater wiederfand. Während Hamoud, der syrische Flüchtling für alle Humus zubereitet und ihn mit großzügigen Versöhnungsgesten verteilt, erzählen die anderen Schüler über sich. Das ist eine sehr gelungene, ruhige Szene und wir können zum Schluss selber Humus zubereiten.  

Fazit: Lost in Translation, aber wie Noa so schön in ihrer Schlussrede rezitiert „Wer hätte es für möglich gehalten, dass …..“ – Everything goes!

Die (Rap)Musik dazu haben Yaniv Fridel und Ofer Shabi komponiert.

Die Premiere war schon im Herbst 2015. 

Christa Blenk

 

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Luther dancing with the gods

 
2017-10-04 15.29.45

 

Bewegte“ Musik

« Ich weiß ein Wort, das hat ein L; wer das sieht, der begehrt es schnell. Wenn aber das L weg und fort ist, Nichts Bessres im Himmel und auf Erden ist. Hast Du nun einen weisen Geist, so sage mir, wie das Wörtlein heißt ». (Ein Rätsel: Gemeint ist « Gold » – « God » für « Gott » – aus einer Luther Tischrede)

Anläßlich des 500. Jahrestages der Reformation hat der New Yorker Regisseur Robert Wilson gemeinsam mit dem Rundfunkchor Berlin das Projekt Luther dancing with the gods entwickelt. Eine Schöpfung aus Text und Musik, Klang, Bewegung, Licht und Bild. Das Team inszeniert damit gleichzeitig die erste szenische Produktion für den Pierre Boulez Saal.

Motetten von Johann Sebastian Bach bilden den musikalischen Drehpunkt dieser Aufführung. Angereichert ist die Performance mit „Immortal Bach“ einer Improvisation  zu Bachs Lied “Komm, süßer Tod” von Knut Nystedt und einer großartigen Präsentation von Steve Reichs „Clapping Music“ auf der einen Seite und mit Texten von Luther, Übersetzungen, Bibelextrakten, Streitgesprächen, Rätseln sowie einem Text des amerikanischen Dichters William Carlos Williams auf der anderen.

Zwischen den Bach-Motetten hat Wilson seine bekannten Kneeplays eingebaut. Theatralische Mittel als Verbindungsstelle zwischen den Hauptakten: Luther als Kind, als Streitender, als Sterbender und irgendwie auch als beweinter Abwesender.

Alles fließt: Der ausgezeichnete, in strenge Mönchskluft gekleidete Chor, hat hier Ballett- und Schauspielaufgaben zu übernehmen. Sie waren ständig auf Pilgerschaft durch den Raum und über die Treppen; der Musik hat das gut getan und das Publikum hatte einen Chor „zum Anfassen“, ja man fühlte sich als Teil davon.

Es geht hier um Zeit und Kunst in und um Luthers Epoche und danach. Aber auch der Dreißigjährige Krieg wird zitiert, wenn sich der in einem Boschschen Heuwagen sitzende Teufel gestikulierend auf die Bühne kutschieren lässt und sich zu Luthers Tanz mit den Göttern gesellt. Keiner hat die Übel und Plagen der Menschheit besser gemalt als Bosch oder Bruegel! Wilson zitiert den Krieg mit weißen Speeren, inspiriert durch das Holbein-Bild „Schweizerschlacht“; es entstand 1524, in dieser Zeit arbeitete Luther an der ersten Bibelübersetzung. Überhaupt haben Wilson und sein Team der Kunst eine Hauptrolle in dieser Aufführung zugedacht. Der rote Vogelmensch spaziert direkt aus Hieronymos Boschs „Garten der Lüste“ auf die Bühne und bricht die schwarz-weiße Ästhetik und mit Pieter Bruegels „Triumpf des Todes“ stürzen die Weißgekleideten zu Boden. Die Sänger tragen Kopfbedeckungen, wie wir sie auf Cranachs „Jungbrunnen“ Gemälde wiederfinden oder wie Lucas Cranach Luther und seine Familie portraitierte. Die Steinigungsszene basiert auf einer Radierung von Girolamo da Treviso.

Luther war, im Gegensatz zu Zwingli oder Calvin, nicht gegen die Malerei. Bilder konnten dem einfachen Menschen die Bibel-Lektüre erleichtern. Das hat aber auch mit seiner Freundschaft zum Maler der Reformation, Lucas Cranach, zu tun. Cranach war sein Trauzeuge und Taufpate eines seiner Kinder und die Portraits von Luther, die fast alle in Cranachs Werkstatt entstanden sind, haben unser Lutherbild geprägt. Wilsons Luther trägt so auch den Cranach-Look! Mutig geht er bis ins 20. Jahrhundert und gibt Luthers Witwe Man Rays surrealistische Idealisierung des Banalen, das Nagelbügeleisen „Gift“ in die Hand wenn Fiona Shaw über „The Widow‘s Lament in Springtime“ von William Carlos Williams spricht.

Himmelsleiter, Totenbett und verbotene Äpfel

Die anfängliche Überraschung ist dann aber irgendwann keine mehr und das Geschehen nicht immer nachvollziehbar, aber das wäre ja auch zu einfach! Eine sehr bilder- und szenenreiche Aufführung mit viel Bewegung auf der Bühne. So schafft es Wilson, mit relativ wenig Darstellern großes, streitendes Chaos zu versinnbildlichen. Eine Geschichte, die vor allem durch Licht und Kostüme unter einem minimalistischen Deckmantel, gespickt mit Zitaten und der Kunstgeschichte im 16. Jahrhundert, lebt. Oft makaber, kommt die Regie aber dann doch an die Grenze der ertragbaren Symbolik und man wünschte sich mehr protestantische Demut!

Ausgezeichnet der Rundfunk Chor Berlin unter brillanter Leitung und Leistung der beiden jungen Dirigenten Gijs Leenaars und Benjamin Goodson, die Stereo operieren und auch immer in Bewegung sind; denn alles findet im Kreis statt und die Sänger blicken, singen und schauspielern in alle Richtungen!

Musikalisch begleitet von Aleke Alpermann (Violoncello); Mirjam Wittulski (Kontrabass) und Arno Schneider an der Orgel. Jürgen Holtz ist Luther, Serafin Mishiev spielt das Kind und den roten Vogelmenschen.

Ende September und Anfang Oktober gab es Voraufführungen; die Premiere ist am 6. Oktober 2017.

 

Christa Blenk

Gerardo Aparicio
Gerardo Aparicio – Himmelstreppe und Heuwagen
 
und hier geht es zum Luther Oratorium – « Wir sind Bettler »
 

 

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Havelländische Malerkolonie

Carl Schuch - der Maler Karl Hagemeister (1876)
 Karl Hagemeister (1876 gemalt von  Carl Schuch)

 

Havelländische Malerkolonie

Rund um den Schwielowsee hat sich zum Ende des 19. Jahrhundert, ab den 1880er Jahren, eine Malerkolonie angesiedelt, die nie wirklich bedeutend war, aber noch bis in die 1930er Jahre Künstler angezogen hat. Die Stadt Ferch hat 2008 ein Museum für diese Maler eröffnet.

Nicht weit weg von Berlin und Potsdam und umgeben von schönster, unberührter und friedlicher Landschaft, bot das Havelland den Künstlern alle Motive für Landschaften oder Stillleben. Hauptakteure dieser Havelländische Malerkolonie waren die Maler  Carl Schuch und Karl Hagemeister, die sich zeitweise in Ferch niedergelassen hatten.  1908 gab es erstmals eine Eisenbahn, die von der brodelnden und ruhelosen Metropole Richtung Caputh und Ferch fuhr.  Bis zum Zweiten Weltkrieg zog es immer wieder Maler oder bildende Künstler an den Schwielowsee, für einige war es ein einmaliger Aufenthalt, andere kamen regelmäßig an diesen Ort. Die Stadt Ferch hat sich so ein wenig in die norddeutsche Route der Künstlerkolonien zwischen Hiddensee und Worpswede eingeordnet.

 

Zur Zeit läuft dort noch bis Ende Oktober die Ausstellung: « Ferch in der Malerei – Blütezeit der Künstlerkolonie »

Karl Hagemeister, märkische Landschaft (1880)Carl Schuch - Stilleben mit Äpfel, 1876
Karl Hagemeister, märkische Landschaft (1880)/Stillleben mit Äpfel (1876) von Carl Schuch
 

Und hier einige der Maler, die zeitweise in Ferch gewirkt haben:

Carl Schuch:  Der 1846 in Wien geborene Maler des Realismus sollte später den Wiener Weg in die Moderne weisen. Finanziell unabhängig,  reiste er 1872 nach München, Venedig und Rom, wo er kurz zur Malerkolonie von Olevano Romano gehörte.  Im Berchtesgadener Land lernte er Karl Hagemeister kennen und reiste gemeinsam mit ihm nach Dresden,  Brüssel und Amsterdam. 1878 kam er nach Ferch und fand dort am Schwielowsee einfache, beruhigende und unverbrauchte Motive, anschließend reiste er für ein paar Jahre nach Paris wo er sich sehr mit Cezanne und dem Stillleben befasste – sein Malstil ist von dieser Zeit an auch sehr von Cezanne geprägt.  Schuch, ein gebildeter und lebenslustiger Kosmopolit –  dessen Werk Zeit seines Lebens nicht einmal ausgestellt war – starb in einer Nervenheilanstalt mit 57 Jahren.

 

Carl Schuch - Häuser in Ferch am Schwielow-See (1878)
Carl Schuch – Häuser in Ferch am Schwielower-See (1878)

 

Karl Hagemeister (1848 – 1933)   lebte mehrere Jahre in Ferch und kommt aus Werder an der Havel. Auch er machte Studienreisen nach Rügen und München und lernte auf seinen Reisen den Maler Schuch kennen, mit dem er eine Zeitlang herumreiste. Hagemeister, der vom Land stammte, lebte als Jäger, Fischer und Maler an der Havel, stellte seine Farben selbst her und malte sogar im Winter im Freien. In den Jahren  1891 und 1893 stellte er bei der Berliner Secession aus. Karl Hagemeister starb im Alter von 85 Jahren in Werder an der Havel.

Theo von Brockhusen (1882 -1919) verbrachte ab 1907 die Sommermonate am Schwielowsee, ähnlich wie Liebermann – der ihn sehr beeinflusste – dies am Wannsee tat.  Sein Werk besteht überwiegend aus Landschaftsbilder.

Hans Wacker (1858-1958) kam aus Düsseldorf und hielt sich 1916 in Ferch auf, da lebte Schuch schon nicht mehr.

Hans Otto Gehrcke (1896 – 1988) kam 1911 durch einen Zufall  nach Ferch. Er wollte mit seinem Vater einen Dampferausflug nach Werder machen, das Schiff ging aber nur nach Ferch. Sein Vater kaufte später ein Grundstück dort und Gehrcke ließ sich in einem Fachwerkhaus nieder. Das war 1927 – also ebenfalls nach Schuch oder Brockhusen. Gehrcke ist in Ferch verstorben.

Außerdem sind im Museum Werke von Theodor Schinkel, Carl Kayser-Eichberg oder Hans von Stegmann zu sehen.

Ein weiterer erwähnenswerter Maler  ist Magnus Zeller (1888 – 1972). Expressionist und Grafiker. Er studierte u.a. bei Lovis Corinth. Nach dem Ersten Weltkrieg lebte er zwar nicht in Ferch aber ab 1937 – nach einem Rom Aufenthalt in der Villa Massimo – in Caputh, ein paar Kilometer weg von der Künstlerkolonie.  Ab 1933 galten seine Werke als entartet. Nach dem Zweiten Weltkrieg übersiedelte seine  Familie nach Hamburg, während er mit seiner Tochter in Caputh blieb. Zeller, der der zweiten Generation der Expressionisten zugeordnet werden kann, malte Antikriegsbilder (die zum Teil versteckt werden mussten), gesellschafts- und sozialkritische Werke aber auch viel ländliche Idylle. Er ist Ehrenbürger von Caputh.

Diese hier gezeigten Gemälde hängen in der Berliner Neuen Nationalgalerie.

Christa Blenk

 

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Caligula im Berliner Ensemble

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Nichts und der Mond

Gleich drei Eröffnungspremieren gibt es am neuen Berliner Ensemble unter Oliver Reese. Eine davon ist « Caligula » von Albert Camus. Der junge portugiesisch-chilenische Regisseur Antú Romero Nunes stellt mit seiner  Inszenierung gleich mehrere Fragen:

Warum oder wie wird man zum Diktator? Ist es Schicksal, hervorgerufen durch Verlust oder ist es eine Entscheidung zur absoluten Macht? Wie weit muss man gehen, um das Unmögliche möglich zu machen?

Ursprünglich war er ein harmloser junger Kaiser.  Durch den Verlust seiner Geliebten / Schwester schlägt er einen gefühllosen und skrupellosen Weg zur Macht ein. Wer nicht einverstanden ist, ist Feind und der Feind muss weg. Aber vor allem will er den Mond – ein kindlicher Wunsch!

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Kettensäge und Keilschuhe

 

Viel (Theater)Blut gibt es bei diesem Caligula, viel Geschrei, viele Masken, viel Rauch und Lärm – also wie immer bei  den Berliner Inszenierungen – hinzu kommt dieses Mal ein Hurrikan, der durch das Publikum zieht – man spürt den „frischen“ Wind. Ob das ein Zeichen ist, wie es nun im Berliner Ensemble werden wird – mal sehen!

Bevor sich der Vorhang hebt, sucht Caligulas verschlampte und ein wenig vertrottelte Truppe nach dem Nichts und findet auch Nichts. Aber eigentlich suchen sie nach Caligula, denn er soll auftreten. Dazu ist er aber zu deprimiert und steckt nur ab und zu den Kopf durch den Vorhang. Dieser hebt sich aber schließlich doch und ein Tsunami weht durch das Theater, der alle – außer denKaiser – zu Boden reißt.

Caligula ist so etwas wie ein grausamer Zirkusdirektor, der Vorsitzende einer heruntergekommenen Clowntruppe, die sich nicht entscheiden kann ob sie ihn lieben oder hassen soll und die sich gegenseitig anschwärzt. Ihr Auftreten ist demoralisierend und dekadent. Die Kostümbildnerin Victoria Behr lässt sie in abgerissenen und schmutzigen Kleidern herumlaufen, die im Verlauf des Abends immer blutverschmierter werden und ihre Gesichter zeigen noch die verschmierte und gesichtslose Theaterschminke von vorgestern. Die Harlekine sind eine Mischung aus Jack Nickolson als Joker und  der musikalischen Todesallegorie bei Viscontis  Tod in Venedig.

Caligula wird von der großartigen Constanze Becker gespielt, sie ist ein Glatzkopf  in Weiß-Rot! Die Clown-Senatoren sind Oliver Kraushaar, Aljoscha Stadelmann, Patrick  Güldenberg, Felix Rech, Annika Meier und Drífa Hansen. Richtig begeistern konnte und der Abend aber trotzdem nicht!

Albert Camus (1913-1960)  begann mit 25 Jahren, also 1938, die Arbeit an Caligula und wollte das Stück  ursprünglich an einem kleinen Theater in Algier mit ihm selber in der Hauptrolle zur Aufführung bringen.  Letztendlich wurde es aber erst 1944 bei Gallimard verlegt und 1945 in Paris unter der Regie von Paul Œttly uraufgeführt.

Gaius Caesar Augustus Germanicus , genannt Caligula lebte von 12 – 41 n.C.  und war als Nachfolger von Tiberius römischer Kaiser von 37-41. Hoffnungs- und erwartungsvoll startet seine Ära, die in eine  autokratische und wahnsinnige Tyrannei mündet. Er  ließ willkürlich unzählige Senatoren hinrichten bis ihn die Prätorianer Garde ermordete.

Christa Blenk

 

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The Future is f*e*m*a*l*e – Recovery – Florentina Holzinger

Im Rahmen des Festivals THE FUTURE IS F*E*M*A*L*E* in den Sophiensälen wurde am 23. September Florentina Holzingers „Recovery“ aufgeführt.

Florentina Holzinger liegt in einem Sarg, links singt jemand am Klavier, rechts malt  eine wenig bekleidete Person ein expressionistisch-gruseliges Portrait. Die Moderatorin begrüßt das Publikum und teilt mit, dass Florentina leider verstorben sei. Im Hintergrund hört man Requiem-Musik und es herrscht eine Trauergottesdienststimmung. Plötzlich springt sie aus dem Sarg und verschwindet, wird aber von zwei Tänzerinnen gezwungen, wieder auf die Bühne zu kommen. Dann sitzen sie Wasserpfeifen-rauchend in einer Art Oase. Eine Priesterin, unterstützt von zwei Klagefrauen aus der griechischen Tragödie, zelebriert einen fanatischen Gottesdienst. Ein Scheinwerfer fällt auf die Bühne und ein wenig später eine Votivgabe in Form einer Madonna hinterher. Kurz darauf wird Florentina von der Priesterin für einen Kickbox-Nahkampf trainiert und geht in den Ring. Jetzt singt Britney Spears „Baby, one more time“

Florentina Holzinger hat „Recovery“ inszeniert, um einen schweren Unfall, der sie lange ans Bett fesselte, aufzuarbeiten. Der Heilungsprozess wird als Boxkampf wieder gegeben, den Florentina – aber nur mit Hilfe von außen in Form einer Pistole – gewinnt. Sie beginnt die traurige Niederlage zu beerdigen und hält anschließend eine konfus-surrealistische Rede. Im Hintergrund trainiert eine klassische Balletttänzerin für ihre nächste Rolle als „schwarzer Schwan“. Beide tanzen sie anschließend ins Finale.

Eine explosiv-aggressive, sehr physische und starke Performance. Holzinger besticht mit ihrer Personalität und mit ihrem Mut. Zeitweilig vermittelt die Aufführung den Eindruck, dass etwas aus dem Ruder gelaufen sein muss, irgendwie herrscht Chaos und die Mikrophone sind ausgeschaltet, so dass die Darsteller nur untereinander kommunizieren können, ohne das Publikum zu beteiligen. Einmal stand wie vielleicht wirklich kurz vor dem k.o. !

Das Konzept stammt von Florentina Holzinger. 

PERFORMANCE: Florentina Holzinger, Btissame Amadour, Clara Saito, Eva Susova, Lenneke Vos, Orinta van der Zee; SOUND DESIGN Stefan Schneider; DRAMATURGIE, BERATUNG Vincent Riebeek, Renée Copraij, Sara Ostertag 

Eine Produktion von Frascati Producties in Koproduktion mit brut Wien. Gefördert durch Creative Europe, Life Long Burning, die Kulturabteilung der Stadt Wien und dem Performing Arts Fund NL.

Christa Blenk

 

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Trouvaillen, Petitessen und Sottisen

Dorfpoet
So sieht sich der (Dorf)Poet Rudi Faßbender auch

 

Der verkanntete Dorfpoet Rudi Faßbender philosophiert in den kleinen gelben Heften über Café-Häuser, Reisen und bekannte Persönlichkeiten. Die Broschüren gibt er im Selbstverlag heraus.

Die – auch gelbe – Broschüre Ein Parforce-Ritt durch die Geschichte der Caféhäuser  unter besonderer Berücksichtigung der sie häufiger frequentiert habenden Pinsel, Feder- und / oder Wortführer « Das int’ressiert mich, nicht die Bohne » führt durch die großen Cafés in Europa mit Zitaten oder Reimen der prominenten Besucher/innen (vielleicht hat er sie ihnen aber auch in den Mund gelegt!). 

Die Ausgabe Nr. 102 der Trouvaillen, Petitessen und Sottisen ist eine Art Bretagne und Vendée-Sonderheft und hat uns allein schon deshalb ganz besonders interessiert. Entstanden ist es im August 2017, als wir uns auch gerade dort aufgehalten haben. Er reist um die Inseln Noirmoutier und Yeu  genau wie wir und überquert den Gois bei Ebbe, wo wir uns immer die Palourdes holen.

Eine surrealistische Reise in Wortspielereien, Reimen und Ironie an der Atlantikküste entlang – von der Normandie nach Saint Malo mit Abstechern auf die Inseln bis Saint Gilles Croix de Vie. Man muss oft zweimal hinsehen oder hinlesen, um die feine Ironie auch zu entschlüsseln und vor allem muss man natürlich die Geografie dort kennen, denn sonst versteht man nicht wenn er aus Croix de Vie « Schnaps » macht oder diese Anekdote erzählt: „Gilles, der Chef des Hotels du Marché in Beauvoir-sur-mer, dem Flecken, von dem Simone de Beauvoir damals aufbrach, um trockenen Fußes die Passage du Gois zur Insel Noirmoutier zu bezwingen, sagte lachend, wir sollten uns da mal nichts vormachen lassen vom einfachen, gemächlichen und entschleunigten Leben auf der Insel, die Einwohner hätten samt und sonders ihre Mercedes, BMW und Porsches auf dem Festland – sie sagen: auf dem Continent – stehen » (Zitat)

(Anmerkung meinerseits: wenn man allerdings an einem Freitag auf die Insel will und die Brücke nehmen muss, weil gerade Flut ist, kann man durchaus lange Zeit im Stau mit eben diesen Autos stehen, denn dann fahren sie alle dort hin!)

Zwischendurch zitiert er immer wieder Georges Brassens und andere Poeten und macht Exkurse in unterschiedliche Gegenden Man mag blättert darin mit einem Schmunzeln auf dem Gesicht und mag das kleine Heftchen gar nicht mehr weglegen, so kurzweilig ist es, darin zu schmökern.

Und wer jetzt auf den Geschmack gekommen ist und Frankreich mag, kann sodann das Sonderheft  (XVI) Provence zur Hand nehmen. Hier erklärt der Poet gleich auf der ersten Seite, worüber in diesem Heft leider nicht berichtet wird.

„Wenn Du meinst es geht nicht mehr, geht noch ein Stück Camembert“ (französische Essensregel)

Rudi Faßbender lebt und dichtet in Prasdorf und ihn kann man auch als « Trouvaille » bezeichnen!

 

Und hier ein paar Fotos von den beschriebenen Orten, die wir gemacht haben:

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Von Saint Malo bis zum Gois von Noirmoutier 
 
Festival de Lanvellec
Der Gois
Dans le Jardin de William Christie
Am Atlantik
 
Christa Blenk

 

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Kloster Chorin

Die ehemalige Zisterzienserabtei Chorin liegt in der Nähe des Ortes Chorin im Landkreis Barnim. Im 13. Jahrhundert erbaut im Stil der norddeutschen Ziegelbaugotik. war es schon 300 Jahre später dem Verfall preisgegeben. Erst Karl-Friedrich Schinkel entdeckte es auf seinen Reisen und hat sich dafür eingesetzt, dass der Preussische Staat sich um den Wiederaufbau kümmert. Eine zeitlang wurde die Klosterruine auch als Stall benutzt, wovon immer noch Tränken im linken Teil des Baues sprechen.

Das Kloster liegt an einem See, der früher Choriner See hieß und heute den Namen Amtssee hat. Chorin kommt vom slawischen Wort « chory » was « krank » bedeutet. Der See war fischarm und sumpfig und entstand, als die Mönche mit dem Bau des Klosters das Wasser um knapp zwei Meter absenkten.

Heute gibt es dort schöne Wanderwege und sympathische Restaurants. Das Kloster, das nicht mehr als solches benutzt wird, ist ein Ausflugs- und Ausstellungsort. Im Kloster selber werden im Sommer Konzerte abgehalten.

Mit dem Regionalzug Richtung Stralsund ist Chorin in einer guten Stunde zu erreichen.

 

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cmb

 

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Duato / Shechter in der Komischen Oper

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Doppelballetabend

Shechter / Duato

Bei beiden Choreografien geht es um Verlust: Einen persönlichen und einen universellen. Bei beiden ist der Mensch der Verursacher.

Shechters Stück ist hart, trocken, unromantisch und hektisch. Die gnadenlose Aufarbeitung einer nicht sehr freudigen Jugend. So kündigt er auch gleich zu Anfang an, dass seine Mutter ihn mit zwei Jahren verlassen habe. Die sechs Frauen mühen sich kräftig ab, um ein aerobic-haftes Kalorienverbrauchen zu demonstrieren. So als ob sie mit dem Schweiß auch die Vergangenheit abschütteln könnten. Wirklich schön war es nicht, aber das wollte er auch nicht. Shechter verlangt von seinen Tänzerinnen dass sie mit Luft gefüllte Muskeln tanzen, die dann wieder in sich zusammen fallen und nur Leere übrig lassen. Meistens fehlt es an Leichtigkeit, dafür ist viel Kraft vorhanden. Man denkt an primitive und polternde Volkstänze.

Duato hingegen schafft schöne Bilder, fast zu schön, um die Zerstörung der Erde zu begleiten. Die erste Hälfte spielt sich unter einer Plastikhülle ab, man sieht nur sehr wenig und ahnt oft nur, was die Tänzer erzählen. Die Luft scheint total verpestet und es wird immer schlimmer bis die Welt in sich zusammensackt. Metamorphosen, Androiden-Tänze, Insektensurren und Pelz tragende Männer präsentieren zu harter catwalk Musik eine Modenschau mit staksigem Gang und Frau Mutter Erde lässt sich grün-fischschuppig über die Bühne gleiten während Kirchenglocken Wellenbewegungen begleiten in dieser Welt im Anthropozän. Ein Lasergefängnis übernimmt für einen Moment die Regie und erstreckt sich über Bühne und Zuschauerraum bis sich alles beruhigt und ein grüner, frischer Wald hoffnungsvoll auf uns zukommt und Eva sich unter einen Baum legt. Eine Hommage an die Science Fiction Welt wie Blade Runner oder Soylent Green.

Beide Aufführungen sind eine körperliche Auseinandersetzung mit der Zerstörung, Verlust und Verlassen werden. Hilflosigkeit breitet sich aus. Selbstzerstörung übernimmt. Die unkontrollierte Komfortzone ist bei Duato „Erde“ weniger ausgeprägt als bei Shechters „The Art of not looking back“.  .

Hofesh Shechters „The Art of not looking back“ wurde schon 2009 in Brighton uraufgeführt; die Musik und das Gesprochene stammen von ihm. Nacho Duatos „Erde“ entstand 2017. Die Musik dazu ist von Pedro Alcaldo, Sergio Cabellero, Richie Hawtin, Alva Noto und Mika Vainio.

Die Premiere hat am 21. April stattgefunden.  

Christa Blenk

 

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Walls and Waves – in der Alten Dorfkirche Marienfelde

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„Die Sonne ist weg, das Cello tanzt“

 

Walls & WavesDer Kirchenraum als imaginäre Partitur

Am 14. September 2017 hat das zweite zeitgenössische Konzert in der alten Dorfkirche Marienfelde stattgefunden. Von „Innen nach Außen“ war die Fortsetzung des Konzertes vom 2. September mit dem Titel „Von Außen nach Innen.“ Ein Spiel zwischen Bewegung – Raum – Klang bei Tageslicht – Dämmerung – Nacht.

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 während des Konzertes, die drei Interpreten Ulrike Brand, Marcello Lussana, Thomas Noll

 

Es ist der Monat der zeitgenössischen Musik!

Die Solistin Ulrike Brand spielt auf ihrem Cello, Marcello Lussana bedient die Live Elektronik und Thomas Noll sitzt an der Orgel: Drei Instrumente: mobil, immobil, immateriell und sie improvisierten und philosophieren miteinander eine Stunde lang über die Akustik, Vergangenheit und Gegenwart dieser kleinen Kirche. Immer auf die Klänge der anderen Beiden eingehend, nehmen sie einen Ton auf, setzten ihn fort oder verarbeiteten ihn. Die ausgesprochen dicken Mauern und die Holzdecke geben dieser Kirche eine ganz besondere Akustik. Die Tür wird auch während des Konzertes nicht geschlossen, da der Aufführungsraum erst  mit einem am Baum hängenden Cello ca. 10 Meter vom Kircheneingang entfernt endet. Die Orgel steht nah an der Tür.

Ulrike Brand schreitet mit ihrem Cello die Kirche und den Außenbereich ab, als ob sie etwas suchen würde und lässt sich – immer akustikgesteuert – an unterschiedlichen Plätzen nieder. Die Zuhörer sind eingeladen, diese Bewegungen mitzumachen. Einmal sitzt sie dem Rücken zum Publikum, einmal direkt unter einem Kreuz und einmal erzeugt sie auf dem Cello kurz Glockentöne, dazu schwingt das Cello wie eine Pendeluhr.  Ulrike Brand spielt im Sitzen, Stehen, Gehend, Kniend und Liegend.

Mit dem langsam verschwindenden Licht verwandeln sich die lichten Tagtöne in dramatischere Nachttöne.

 

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Ulrike Brand während der Performance

 

Die Dorfkirche von Marienfelde, wo diese zwei Performance-Installations-Konzert stattgefunden haben,  stammt aus dem 12. Jahrhundert und gehört damit zu den ältesten Dorfkirchen in Berlin und der Mittelmark. Diese spätromanische Feldsteinkirche ist auf einem ehemaligen Friedhof erbaut und man geht davon aus, dass vor der Steinkirche eine Holzkirche dort stand. Die dicken Mauern und schlitzartigen Fenster lassen darauf hinweisen, dass diese Kirche auch eine Schutzfunktion inne hatte. Im 14. Jahrhundert wurde sie umgebaut bzw. erweitert und nach der Reformation auch innen umgestaltet. Im 20. Jahrhundert wurde sie von einem in Marienfelde ansässigen Architekten restauriert; den Zweiten Weltkrieg hat sie unbeschadet überstanden. Seit über 20 Jahren hat die Kirche eine neue, sehr gute Orgel mit 32 Register auf drei Manualen und Pedal.

Sie ist auch für Orgelkonzerte ein attraktiver und begehrter Aufführungsort.

 

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 Ulrike Brand und Marcello Lussana

 

Ulrike Brand hat die Konzertreihe, die durch die Dezentrale Kulturarbeit Tempelhof Schöneberg gefördert wurde, kuratiert.

 

Christa Blenk

 

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David Hockney – Centre Pompidou Paris

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Artikel für KULTURA EXTRA David Hockney – Retrospektive im Centre Pompidou

Bukolischer Dandyismus

Der 80. Geburtstag des britischen Künstlers David Hockney fällt auf den 40. des Pariser Centre Pompidou. Dieses Zusammentreffen feiert das Museum mit einer beeindruckenden Retrospektive. Damit setzt das Museum die umfangreiche Schau von Mammutausstellungen (siehe Anselm Kiefer oder Cy Twombly) der letzten Jahre fort.

David Hockney, 1937 in Yorkshire geboren, zählt heute zu den bedeutendsten, lebenden britischen Künstlern. Der Parcours durch die 15 Säle im oberen Stockwerk des Museums beschreibt anhand von 160 Exponaten aus wichtigen Museen und Privatsammlungen seine permanente Stiländerung und zeigt das Fehlen jeglicher Berührungsangst auch wenn es sie um die neuesten Technologie-errungenschaften handelt.  Die Schau führt den Besucher von Hockneys kleinformatigen und figurativen, Dix oder Hopper zitierenden Anfangswerken aus den 1950er Jahren hin zu einem krachend, grell-bunten und großformatigen post-Matisse Alterswerk oder iPad Zeichnungen. Hockney erzählt vom nordenglischen Licht und vom Einfluss  der freien, kalifornischen Sonne auf ihn und seine Kunst.  Mit den ironisch-minimalen „Love Paintings“ kokettiert der überzeugte Pazifist und Wehrdienstverweigerer Hockney mit seiner Homosexualität.

Ein Eigenportrait aus 1954 zeigt den gerade mal 17 Jahre alten Hockney schon als zukünftigen Dandy. Große Sorgfalt, was seine äußere Erscheinung angeht: Blaue Jacke, roter Schal, gelbe Krawatte, lediglich die runde Intellektuellenbrille fehlt auf diesem knapp 42 x 30 cm großen Bild.

Schon während seines Studiums 1959 lernt er die amerikanischen, abstrakten Expressionisten kennen. In diese Zeit fällt auch die Begegnung mit Picassos Werken, als Hockney eine große Picasso Retrospektive in London besucht, die ihn ausgesprochen prägt und seinen Kunsthorizont in alle Richtungen öffnet. 1961 darf er mit eigenen Arbeiten an der Ausstellung „Young Contemporaries“ teilnehmen. Hin – und hergerissen zwischen  zwischen Jasper Johns Pop Art und Morris Louis oder Elsworth Kellys colour field painting, zitiert er immer wieder Francis Bacon, die italienische Renaissance und natürlich Picasso. Seine Farbpalette gleicht immer mehr dem Fauvismus eines Matisses.

1964, mit Mitte zwanzig, unternimmt Hockney seine erste Reise in die USA und kommt nach New York. Die Verlockungen und Versuchungen dieser Stadt vergleicht er mit denen eines Tom Rakewell in London. Es entsteht das Projekt  einer Serie von Zeichnungen von The Rake’s Progress – frei nach William Hogarths Kupferstichen. Später reist er weiter in das amerikanische Elysium, nach Kalifornien, dort kann er als bekennender Homosexueller ungestört leben, arbeiten und berühmt werden. Kalifornien und Hockney sind für den Kunstbetrachter direkt miteinander verbunden; obwohl er seine Yorkshire Wurzeln nie vergisst.

Stressfreies, sonniges Klima, türkiesfarbiges Poolwasser,  Matisse-grüne Palmen vor Fra Angelico blauem Himmel wirken auf den ersten Blick banal und oberflächlich, frivol, wie ein kitschiges Postkartenmotiv oder eine Werbung für einen Schwimmbadhersteller – aber genau das stellt Hockney in eine post-Pop-Ecke, wo er sich selber eigentlich nie sehen will. Um das Licht besser einfangen zu können, wechselt er zu Acryl-Farben. Generationsübergreifend liebt das  Publikum seine  Malerei. Diese Swimming Pool Bilder haben ihn berühmt gemacht und „the Bigger Splash“ ist zum Kultbild geworden.

Geschichten erzählt er in den Doppelportraits, die ab den 1970er Jahren entstehen. Beim Betrachtern dieser Serie  fällt auf, dass die beiden Protagonisten sich so gut wie nie ansehen, eine Person ist immer im Profil, die andere in Frontalansicht.  Wie auch bei dem 213,5 x 304 cm großen Bild „Henry Geldzahler and Christopher Scott“. Es entstand 1969 und gehört der Collection Barney A. Elsworth. Geldzahler sitzt formell gekleidet in der Mitte eines rosaroten Sofas vor einem rosaroten Fenster, links und rechts nur lindgrüne Wand. Scott steht rechts auf dem Bild im Profil. Er trägt einen Trenchcoat und hat eher eine bittstellerische Haltung. Auf dem Plexiglastisch vor dem Sofa steht ein Blumenstrauß. Auf der anderen Seite des Sofas eine Stehlampe. Hier könnte man an Hopper denken, der sich an der metaphysischen Kälte von de Chirico versuchen wollte.

Immer öfter verzichtet er auf die Zentralperspektive bis seine Bilder perspektivlosen, glatten und schattenlosen Farbflächen gleichen. Die Sonne steht immer im Zenit und taucht alles in die himmelblaue, sorgenlose Welt der sonnengebräunten Reichen und Schönen. Die amerikanische Moderne der Westküste wird mit Hockneys Bildern lebendig.

In den 1970er Jahren beginnt er mit Arbeiten für das Theater und entwirft u.a. das Bühnenbild von Strawinskys A Rake’s Progress auf der Basis seiner früheren Zeichnungen. Aber auch für die Mailänder Scala und für die Metropolitan Oper in New York fertigt er Bühnenbilder.

Hockney experimentiert auf der einen Seite mit den Technical Pictures  und malt auf der anderen die Extremely Dramatic Pictures, die Geschichten erzählen. Aber auch vor der Geometrie macht er nicht halt, das zeigen die geometrischen Hausfassaden von Los Angeles. Die Kritik nimmt diesen drastischen Wechsel nicht immer positiv auf.

Nach dem Kauf einer Polaroid-Kamera tritt das Foto als Kunstmedium in seine Arbeit ein. Abwechslungsreich und vielseitig, voller Passion  die multiperspektivischen Collagen oder „Joiners“,  Polaroid-Fotocollagen, mit denen er den Kubismus neu erfindet, in dem er ähnliche Bilder mit unterschiedlicher Perspektive und Tageszeit aneinanderreiht. Durch Defragmentierung entsteht ein neues Raum- und Zeitgefühl. Die Welt soll kubistisch denken – und das nicht nur künstlerisch! Diese Arbeiten  animieren dazu, selber zum Künstler zu werden. Mitte der 1980er Jahre fertigte er seine ersten Home Prints anhand eines Fernkopierers, später zirkulierte er seine Arbeiten via Fax. Es folgen PC Grafikarbeiten bis schließlich das iPad zum Pinsel wird.

Die Fotocollage “4 Pearlblossom Hwy 11-18th April 1986” misst 119 x 163 cm. Hockney organisiert die Fotos derart, dass der sonst ätzend langweilige und dahin dösende Highway belebt und voller Abwechslung erscheint. Verkehrsschilder, Palmen auf verdorrtem Gras, Grünflächen,  weggeworfene Getränkedosen, Telefonmasten und verschneite Berge im Hintergrund sind auf einen Blick wahrnehmbar. Ein gelber Streifen in der Mitte lässt die Straße in die Unendlichkeit fahren. Das Werk ist umwerfend und man will sofort auch so eine Kollage erstellen.

Hockney, der leidenschaftliche und durchaus rücksichtslose Raucher, fühlt sich in Kalifornien aufgrund des Rundum-Rauchverbots nicht mehr frei und kehrt – aber nicht nur deshalb – 1997 in seine englische Heimat zurück. Rauchverbote zerstören die Boheme, meint er.
In Yorkshire entstehen großartige Landschaftsbilder, die mit der Zeit die kalifornische Sonne verlieren und „englisch“ werden. Hockneys panoramaartige Mammutlandschaften konfrontieren den Betrachter mit einer umgekehrten Perspektive, d.h. der Fluchtpunkt ist hinter der Person vor der Leinwand platziert. Mit dem Alter werden seine Bilder immer größer und der Gesellschaftsmensch Hockney wird nun ein zurückgezogener Landschaftsmaler à la Constable und aus den jungen, duschenden und am Pool liegenden kalifornischen Jünglingen werden Bäume; seine Liebe gehört jetzt der Natur. Die großen Leinwände transportiert er mit dem Lastwagen in den Wald – aber deren Realisierung hält ihn fit, denn er muss ständig hin und herlaufen. Dazu steht er zeitig auf, denn morgens ganz früh ist das Licht am schönsten.  Schnelle Malerei , jeder Strich muss sitzen, Hockney korrigiert nicht an seinen Bildern herum, das gibt ihnen eine gewisse charmant-frische Naivität.

Fast täglich beginnt er seine Arbeit mit einem Selbstportrait. Viele davon sind in der Schau zu sehen zusammen mit Portraits von Freunden, seinen Eltern und vor allem anderen Künstlern zu sehen. Da hängt Warhol neben Kitaj und Burroughs oder Auden.

Hockneys Befassung mit der Zeit ist ein Meisterwerk, das 2010/11 entsteht. „The Fours Seasons, Woldgate Woods“ hängt in einem separaten Raum und ist immer dasselbe Stück Wald im Frühling, Sommer, Herbst und Winter. Eine Multi-Screen Projektion bei der die 36 digitalen Videos auf 36 Bildschirmen gleichzeitig ablaufen. Alles ist in Bewegung und bleibt doch gleich; verlieren möchte man sich in dieser Arbeit.

Didier Ottinger hat die hervorragende Ausstellung von Meisterwerken in Zusammenarbeit mit der Tate London und New York kuratiert. In Paris bleibt sie noch bis zum 23. Oktober 2017und geht dann weiter ins New Yorker Museum of Modern Art, wo sie bis Februar 2018 zu sehen sein wird.

Christa Blenk

 

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Hof Klang 2017

Claudia Herr und Adrian Tully
Foto: cmb

Hof Klang 2017

Mit dem Einlasstempel bekommen wir auch ein Regencape ausgehändigt. Wird aber nicht notwendig sein an diesem Abend, denn kurz vor dem Konzert hört der Regen auf und hinterlässt einen klaren, nachblauen Himmel und unter diesem ist die Bühne aufgebaut – im Innenhof der Nummer 15 in der Michaelkirchstraße. Viel Percussion dieses Jahr! Um die Bühne herum stehen die Stühle für das zahlreich erschienene Publikum, das lässig- ungeduldig, mit einem Weinglas in der Hand, dem Happening entgegensieht.

Hof Klang ist mittlerweile ein echter Insidertipp für zeitgenössische Musikexperimente und Musikinstallationen. Es findet nur einmal im Jahr statt und besticht mit einem sehr sorgfältig zusammen gestellten und abwechslungsreichen Programm zeitgenössischer, zum Teil noch sehr junger, Komponisten. Drei von ihnen sind sogar persönlich anwesend!

Der Initiator und Musikliebhaber Neuer Musik, Steffen Kühn, hat vor 11 Jahren in Leipzig die Hofklang-Idee aus der Wiege gehoben. Seit seinem Umzug nach Berlin 2013 findet Hof Klang in dieser ehemaligen Schuhmanufaktur in Berlin-Mitte statt, in der es jetzt allerdings  Wohnungen und Ateliers gibt. Die glücklichen Besitzer können von ihrem Balkon dem Konzert folgen. Steffen Kühn ist Architekt und wie alle Architekten, mag er die Herausforderung des Neuen, des Unbekannten. Und um unbekannte und ungehörte Musik soll es auch an diesem Abend wieder gehen. Auf dem Programm stehen sogar zwei Uraufführungen.

Mit „Frequente contacten“ für Saxophon und Schlagzeug von Chiel Meijering (*1954) eröffnet der Abend. Ein harmonischer, hörbarer und poetischer Dialog zwischen Saxophon und Schlagzeug, der sachte auf den Abend einstimmt. Der virtuose Saxophonist Adrian Tully begibt sich für die nächste Performance „Demons“ von Brett Dean (* 1961) auf den vorderen Balkon, um das teuflisch-beschwörende Zwiegespräch von oben auf uns herunterrasseln zu können.

Die meisten Interpreten sind nicht zum ersten Mal mit dabei; einige sind fester Bestandteil dieses Events. Wie Claudia Herr, diese großartige, expressive und stimmgewaltige Ikone der Neuen Musik. Eine religiös-andächtige und etwas beunruhigende post-Schönberg Sprechgesang-Ballade ist „Sich einstellender Sinn“.  Komponiert hat sie Eres Holz 2011 für Mezzosopran, Keyboard und Live Elektronik  nach einem Text von Asmus Trautsch komponiert; sie dauert elf intensive Minuten. Holz ist mit 40 Jahren der jüngste unter den heute Abend vorgestellten Komponisten.

 

Maria Lucchese am Theremin
Maria Lucchese

Mit einer interessanten Uraufführung von Samuel Tramins „Kassandra“ geht er erste Teil des Konzertes zu Ende. Saxophon, Schlagzeug und Bass verlieren sich in einem unheilvollen Hinauszögern.

Nach der Pause geht es mit der zweiten Uraufführung des Abends weiter. „Vibrancy II“ für (viel) Percussion und live Elektronik von Cornelia Friederike Müller und Gerd Schenker bringt den kompletten Innenhof zum Vibrieren.

Im Anschluss daran zieht Claudia Herr erneut das Publikum in ihren Bann. „Is it?“ fängt als ironisch-ritueller Gesang an. Der Schweizer Komponist und Vorreiter der elektronischen Musik Thomas Kessler (* 1937) hat das Werk 2002 für Saxophon und Stimme auf der Basis einer Unterrichtsvorlage von John Cage komponiert. Es besteht aus 56 Fragen und in jeder darf sie 11 Sekunden verharren. Pikiert-komisch und schäkernd mit dem Saxophonisten Tully trägt sie es vor und das über mindestens drei Oktaven, bis sich am Ende eine hoffnungslose Unsicherheit nach der Frage um den Sinn der Musik ausbreitet. Hier glänzen Beide auch schauspielerisch.

Matthias Bauer am Kontrapass interpretiert im Anschluss ein Werk von Brian Ferneyhough „Trittico per G.S.“. G.S. steht hier für Gertrude Stein; Ferneyhough hat das Stück 1989 komponiert mit dem Bestreben, einen Vortrag über literarische Formen dieser exzentrischen amerikanischen Schriftstellerin zu vertonen. Bauers wütend-jazziger Bass provoziert aber erstmal den Regengott, denn es fängt kurz an zu tröpfeln (aber nicht genug, um die Regenjacken hervorzuholen).

Dann tänzelt sie auf die Bühne, die Italienerin Maria Lucchese (*1957) und improvisiert mit Bauer über das „Trittico“ und zwar vierstimmig. Bauer spielt, Bauer stößt Töne aus, Lucchese gibt primordiale Laute in einer unbekannten Sprache von sich – ganz im Sinne von Gertrude Steins Poesie – und man fragt sich, wo diese kleine Person solche Ur-Geräusche wohl herholt. Immer wieder wendet sie sich dem Publikum zu, um Zustimmung ihres Gesagten werbend. Die vierte Stimme kommt vom Theremin, ein vor knapp 100 Jahren entwickeltes Instrument das man nicht berühren muss, um Klänge hervorzuholen. Lucchese spielt es mit ihrem Körper, d.h. mit ihren Körperbewegungen. Faszinierte Spannung unter dem Publikum und große Begeisterung im Anschluss.

Kühn ist ein guter Gastgeber und bittet anschließend die Gäste zum Buffet. Schöner und angeregter kann man eine Konzertsaison nicht eröffnen!

Steffen Kühns Ziel ist es Hof Klang auch in anderen Innenhöfen in Berlin stattfinden zu lassen und nach dem gestrigen Abend dürfte es an Angeboten nicht fehlen!

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Christa Blenk

 

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Palourdes vom Gois

 
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Palourdesuchen am Gois

Dieses Jahr, Ende August ist der Koeffizient nur 38. Wir machen uns aber trotzdem auf den Weg zum Gois, um Palourdes zu holen. Im Vergleich zu vor einer Woche (s. Foto)  sind nur wenige Palourdesucher unterwegs, was auch am leichten Regen liegen koennte.  Da die Ebbe noch nicht total angekommen ist, lassen wir dieses Mal unser Auto nicht  mitten im Meer im festen Schlick stehen, sondern parken schon 500 Meter vor dem Wasser, auf der Insel und machen uns mit unserem kleinen, geflochtenen Metallkorb und mit der kleinen Harke und Gummistiefel  - vorbei an wartenden Autos, die über den Gois wollen – auf den Weg ins schlickige Meer.

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Nach einer guten Stunde graben im feuchten Lehm, unterbrochen nur von einem Griff in die Jackentasche zur Schlüsselkontrolle (in zwei Stunden kommt die Flut und hier würde man nie und nimmer einern verlorenen Schlüssel finden), aber auch um den Rücken durchzubiegen,  haben wir ca 1 Kilo schöne große Muscheln -  laut Vorschrift sollen sie nicht kleiner als 4 cm sein – gesammelt.  die Kleinen werfen wir wieder ins Meer zurück und beschliessen, sie beim nâchsten Mal mitzunehmen. Voller Vorfreude auf den Leckerbissen zum Abendessen treten wir den Rückzug an.

Die Palourdes müssen nun mindestens drei Stunden gewässert werden, um den Sand auszuscheiden.

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Dazu holen wir uns Meerwasser (es geht aber auch mit Süßwasser in das man sehr viel grobes Salz schüttet). Ich wechsle das Wasser dreimal und gegen 20 Uhr sind sie  dann verzehrfähig und ich überlege, wie ich daraus  ein schönes Abendessen zaubern könnte. Zuerst brate ich Zwiebeln, Knoblauch,Tomaten, Pili Pili (wenig) und Lauch an und lösche das mit Roséwein aus der Gegend. In diesen Sud rühre ich einen Teelöffel Dijon Senf; dann schneide ich die Karotten und die Noirmoutier Kartoffel in ca. 2-3 cm Scheiben und lege alles in die Brühe, zum Schluss füge ich  das mittlerweile zweimal aufgekochte Salikorngemuese von William (dem Salzbauern) samt Wasser dazu, das nun erheblich an Salz verloren hat. Auch ein wenig frischer  Ingwer wird dazu gerieben. Dann lasse ich es eine halbe Stunde zugedeckt köcheln. Als nächstes schichte ich unsere Venusmuscheln auf diese (Gemüse)Bouillabaisse, gebe nochmals ein wenig Wein und viel frische Petersilie hinzu. Dann decke ich alles wieder ab bis nach ca. 5-6 Minuten sich nacheinander mit einem Klacken alle Muscheln öffnen. Ich gebe noch einen Spritzer Zitronensaft darauf und serviere es mit getoastetem Brot das ich mit Olivenöl; Knoblauch und Tomaten abgerieben habe: Es ist köstlich und wir nennen es Casserole Noirmoutière.

Sie dürfen es gerne nachkochen – geht auch sicher mit ganz normalen Miesmuscheln, aber ich weiß nicht, ob es ohne salicorne so gut schmeckt.

Guten Appetit

cmb

 

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Das Salz von Noirmoutier

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Auf der Insel Noirmoutier in der Vendée wird das beste und weisseste fleur de sel hergestellt. Die meisten Salzbauern sind noch unabhängig und jeder hat seine eigene Marke. Wir kaufen immer bei einem Salzbauern in Epine, bei Willy:

Karge Lehmböden, Meerwasser, Sonne und Wind, Flut und Ebbe sind die Werkzeuge, die zur Salzgewinnung notwendig sind.

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Hier arbeitet er gerade bevor die tägliche kleine Konferenz um 17 Uhr beginnt, in der er vor seinem weissen Gold über die faszinierende Arbeit eines Salzbauern erzählt:

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Fotos: cmb

 

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Dans le jardin de William Christie

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Artikel für KULTURA EXTRA 

Vom 19. bis 26. August 2017 fand zum sechsten Mal in Thiré in der Vendée  das Barockfestival Dans le jardin de William Christie statt.

Dieses Jahr wurde unter anderem auch der 450. Geburtstag von Claudio Monteverdi gefeiert.

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Abends in der Kirche von Thire das grosse Monteverdi Madrigalkonzert mit ausgezeichneten Solisten.

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cmb

 

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Nestor Boscoscuro – Portrait

Portrait von Nestor Boscoscuro für KULTURA EXTRA 

 

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Von polynesischen Fischen, Mandalas und Gullydeckeln

Nestor Boscoscuro erzählt Geschichten: vom täglichen Leben, von früher, erfundene oder erlebte, idealisierte und realistische. Geschichten, die je nach dem Land oder Kontinent, in oder auf dem  er gerade lebt,  anders gehen, anders beginnen oder anders enden. Naturverbunden und beunruhigend, lebendig  und einfühlsam sind sie, aber immer mit einem Augenzwinkern erzählt.

Der gebürtige Argentinier mit italienischen Wurzeln hat mit 25 Jahren sein Land verlassen und ist über Umwege auf den Polynesischen Inseln (Tahiti, Bora Bora, Moorea und Raiatea) gelandet. Dort, zwischen Mythen, Legenden und Voudou lässt sich der gelernte Grafiker, Kunstmaler und Bildhauer nieder, taucht ein in die bunte und metaphernreiche Farbenwelt und verkauft in der ersten Zeit bedruckte T-Shirts und Pareos, die er selber entwirft und später Ölbilder in einigen individuellen Ausstellungen.  Anfang der 1980er Jahre setzt er sich in München intensiv mit Radierungstechniken auseinander. Seine Bilder nehmen nun expressionistischen Charakter an und verlieren die Leichtigkeit oder Sorglosigkeit der Südseeinsel. Arbeiten aus dieser Zeit erinnern an die Künstlergruppe Die Brücke.

 

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Arbeit aus der Münchner Zeit

 

In den 1990er Jahren zieht er nach Recife/Brasilien und ein paar Jahre später verschlägt es ihn nach Indien, wo er  die Welt der Mandalas entdeckt, die ihn nicht mehr loslassen soll.

Seine größte Arbeit entsteht allerdings in Brasilien:  0 + 0 (Acryl auf Leinwand) ist 390 x 205 cm groß und entstand 1993. Hier knallen Universum, Himmel, Erde und Unterwelt aufeinander und ertrinken im Meer. Eine Hommage an die Dämonenwelt von Hieronymus Bosch oder Max Ernst.

Später, schon in Bolivien, inszeniert er seine kleine,  ironische Welt in Holzkisten unterschiedlicher Größe. Er arrangiert darin gesammelte Objekte, Papierschnipsel , Aufkleber oder Gebrauchsgegenstände und erzählt anhand von diesen entsorgten Artefakten das Leben einer Gesellschaft. Ein  Fenster ohne Blick. Alles passiert innerhalb der Holzwände und Nestor Boscoscuro ist der Theater-Regisseur.

Bei Nestor Boscoscuro kann man sich nicht auf eine Beständigkeit seiner Arbeit verlassen, es gibt keinen Boscoscuro-Stil, sein Stil  ist, dass er eben keinen hat und aus jedem Ort das Versteckte und Hintergründige oder nicht gleich Offensichtliche sucht und hervorholt.  Er ist ein Seelenritter und damit sind wir auch schon bei seinen  Escudos Urbanos  (Urban shields).

2001 kommt er zum ersten Mal nach Berlin und legt den Grundstein für sein Lebenswerk. Dieses work in progress wächst sozusagen mit jeder Reise.  Der Grund sind Gullydeckel!

 

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Nestor – Urban shield Griechenland

Auf einem seiner Spaziergänge durch die Stadt steht er eines Tages auf einem besonders schönen Exemplar und beschließt, diese Abwasserdeckel, die man generell gedankenlos überquert ohne ihnen einen zweiten Blick zu widmen, zu seinem nächsten Kunstprojekt zu machen. Nestor Boscoscuro hat uns die Schönheit eines Gullydeckels erklärt. Der erste Abdruck entsteht auf dem Gendarmenmarkt. Boscoscuro reist nun, mit den Augen auf den Boden gerichtet, durch die Welt immer auf der Suche nach besonderen Exemplaren und sammelt sie alle ein, aber nicht so, wie das die Minimalisten oder Hyperrealisten in den 1970er Jahren gemacht haben, in dem sie das Objekt maßstabgetreu nachbilden. Auf den ersten Blick kokettieren diese Einfälle auch mit dem Minimalismus. Er verlässt den Weg aber gleich wieder,  trägt dick abwaschbare Farbe auf und nimmt  einen Abdruck. Diese Abzüge haben viel mitzuteilen: sie wissen in welcher Stadt, ja sogar in welchem Bezirk man sich befindet und wer alles darüber gegangen ist. Sie erzählen von der unbekannten Welt unterhalb des Gullydeckels und von der bekannten darüber.  Manche Gullydeckel sind nach der Fertigstellung nicht mehr als solche zu erkennen. Sie nehmen ein Eigenleben an, andere mutieren zu Labyrinthen oder Spiralen.  Wenn man die unterschiedlichen Abdrücke betrachtet, sieht man erst, wie ausgefallen und einmalig einige sind. Seine Escudos Urbanos (urban shields) mutieren zu Mandalas, sie werden geometrische Bilder mit symbolischer oder religiöser Bedeutung, die Himmel, Erde, Unterwelt und Universum verkörpern.  Die rote Farbe gibt ihnen etwas Primordiales, etwas Archaisches.

Aber die Gullydeckel sind beständig und geduldig, es gibt sie an jedem Ort  der Welt und sie warten auf ihn. In seiner bisherigen Sammlung ist z.B. einer aus der italienischen Höhlenstadt Matera, dann gibt es welche aus Meissen, Bamberg, Ingolstadt, Augsburg und Potsdam. Aber auch die Städte Peking, Sao Paulo  Pyräus, La Paz, Buenos Aires, Madrid , Asunción oder Rom gehören zur  Mandala-Gullydeckel-Sammlung. Eine ganz besonders schöne Arbeit kommt aus Athen. Hier vermutet man eher, dass der Abdruck von einer antiken griechischen Vase gemacht wurde und nicht von der Straße: ein  Kämpfer, vielleicht Hektor, der große Trojaner in einer Ruhephase thront darauf. Boscoscuro hat die Arbeit „Nestor“ genannt, nach dem weisen, griechischen Herrscher von Pylos.

Dieses öffentliche action painting wird immer von einem jungen Filmemacher aus dem jeweiligen Land festgehalten. Einmal hat sogar ein junger Musiker die Musik dazu komponiert. In seinen Ausstellungen läuft meistens diese Gullydeckel-Odyssee als Filmprojektion an einer Wand und es ist sehr interessant, wie die jeweiligen Passanten  damit umgehen. Einige bleiben fasziniert stehen, stellen Fragen, andere schütteln den Kopf und einmal hat sogar jemand die Polizei gerufen.

 

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im Atelier

 

Zwischen 2007 und 2011 lebt Boscoscuro in Rom und verliebt sich in die Welt der Römischen Mosaike. In workshops, geleitet von italienischen Künstlern, entstehen Werke und Arbeiten, die man auch im Archäologischen Museum in Neapel finden kann. Unglaublich die Energie, die er immer wieder aufbringt, sich total auf seine Umwelt einzulassen und in ihr einzutauchen.

Mittlerweile lebt der Künstler erneut in Berlin – bis auf die harten Wintermonate, die verbringt er lieber  in seiner Heimatstadt Buenos Aires. Das urban shield -Projekt geht weiter und Nestor hat noch viele Reisen vor sich, obwohl er zwischendurch immer wieder mit der Realisierung von  neuen Einfällen und Projekten beschäftigt ist. So arbeitet er zur Zeit mit Holz und fabriziert ironische Holzskulpturen-Landschaften.

Die Welt ist rund und groß – wie ein Mandala.

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Ansonsten ist der Künstler ein begeisterter Musiker/Trommler und hat sich Instrumente aus vielen Teilen der Welt mitgebracht. Aber am liebsten trommelt er auf einer Säule, die in seinem Atelier steht; dazu muss er aber vorher eine Büste herunternehmen. Und wenn er nicht mit Kunst oder Musik beschäftigt ist, dann kocht er und auch hier hat er Rezepte aus der ganzen Welt gesammelt.

Christa Blenk

Fotos: (c)

Christa Blenk

 

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Lucien Freud – Closer

 Lucian Freud: Closer  Radierungen aus der UBS Art Collection

Lucien Freuds (1922-2011) Radierungen, Zeichnungen oder Bilder könnte man auf die Neo-Neue Sachlichkeit-Schiene stellen. Sie erinnern an Arbeiten von Dix oder Beckmann, die unter dem Einfluss des Ersten Weltkrieges entstanden sind. In den 1980 Jahren sind viele seiner Radierungen entstanden – fast schon ein Alterswerk!

Man fühlt sich nicht wirklich wohl bei der Betrachtung dieser schonungslosen und kruden Darstellung von Körpern, Köpfen oder Gesichtern,  die irgendwie auf dem Blatt schweben, sie sind nicht verankert und hängen perspektivlos da herum. Manchmal hat man den Eindruck, dass der Köper gerne das Blatt verlassen möchte. Es gibt keine Stühle oder Blumentöpfe und wenn jemand liegt, dann sieht man weder Bett noch Boden. Freud hat die Hässlichkeit gesucht, sie in den Mittelpunkt gestellt. Jede Art von Idealisierung lag ihm fern. Massige Körper wie primordiale Fruchtbarkeitssymbole mit Tattoo oder schwulstige Lippen, Ideale interessierten ihn nicht. 51 Exponate insgesamt werden in der Ausstellung gezeigt, darunter sein Hund Pluto und sein Lieblingsmodell Susanna. Sie wirkt sehr androgyn, männlich, eckig und herb. Gleich am Eingang ein sehr beeindruckendes Selbstportrait, ein Aquarell, feurig-blass, das einen Mann im besten Alter zeigt.

Freud arbeitete im Stehen, langsam, damit kein Fehler passiert, der auf der Kupferplatte nicht mehr rückgängig gemacht werden kann.  Autobiografisch und kompromisslos sollte sein Werk sein, das betonte er immer wieder. Irgendwie hat er sich immer selber gemalt, vor allem an den Lippen mag man das erkennen. Die Radierungen werden nicht als vorbereitende Arbeiten seiner Bilder oder Portraits gesehen.

Die Reichen und Schönen wollten und sind von ihm portraitiert worden – und das nicht nur in England. Seine Portraits haben ihn weltbekannt gemacht.

Closer heißt die Ausstellung und in dieser Zusammensetzung waren Freuds Werke in Berlin noch nie zu sehen.

1922 ist Lucien Freud in Berlin geboren. Als Enkel des Psychoanalytiker Sigmund Freud musste er 1933 mit der Familie – sein Vater war der Architekt Ernst Ludwig Freud -  Berlin verlassen und ging nach London.

Die Ausstellung ist noch bis zum 22. Oktober im Martin-Gropius-Bau zu sehen und entstand in Zusammenarbeit mit der UBS Art Collection, Zürich/Berlin.

Christa Blenk

 

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Phädra am Deutschen Theater

Sarcofago Ostia

 

Der Vorhang hebt sich zu der Affekt-Definition von Spinoza, die an die weiße Wand projiziert werden. Das war gut so, denn sonst hätten wir nicht verstanden, dass es hier um Affekte oder um Gefühle geht.

Phädra ist griechisches Theater, eine Tragödie um brennende Liebe, große Gefühle, Verleumdung, Rache, voreilige und nicht mehr rückgängig zu machende Entscheidungen.

Phädra (Corinna Harfouch), die zweite Frau des Königs von Athen, Theseus, kommt als Gothic-Braut auf die Bühne geschlürft. Die schwarzen, zotteligen Haare bedecken wie ein Vorhang ihr bleiches Gesicht. Sie ist hemmungslos und rücksichtslos in ihren Stiefsohn Hippolyt verliebt und als die Nachricht von Theseus’ Tod am Hofe ankommt, gesteht sie ihm ihre Liebe. Das alles passiert unter nervösem Rumgerenne von einer weißen Wand zur anderen. Sie  springen auf Sockel, rutschen wieder runter und schreien rum.

Da ist der lässige Hippolyt (Alexander Khuon), er trägt einen blassblauen Wollpullover und wirkt eher wie ein Weichling. Man kann sich gar nicht vorstellen, dass ihm Aricia (Linn Reusse), die Tochter des Feines, etwas bedeutet. Sie, die Fremde in Athen, schreit herum und spurtet noch mehr als die anderen, tritt zuweilen auch mit den Füßen und benimmt sich wie ein pubertierender Teenager, der für die Olympiade trainiert. Phädras Leidenschaft wird mit permanentem Perückenwechsel dargestellt und als Theseo (Bernd Stempel) schließlich doch noch nach Hause kommt, ist sie von seinem Aufzug (oder von seiner Rückkehr) so geschockt, dass ihre Umarmung, begleitet von einem blöden Dauergrinsen, an ihm vorbei geht und sie mit ausgebreiteten Armen die Bühne verlässt. So eine blöde Szene muss man sich erst einmal ausdenken! Später kommt der König, mutiert als blasierter Salondandy der 1920 Jahre mit beigem Anzug und Sonnenbrille, wieder zurück und verstößt ziemlich unglaubwürdig seinen Sohn, nachdem Phädras Zofe Oenone (Kathleen Morgenever), die sich auch nicht entscheiden kann ob sie für oder gegen Phädra ist, ihm erklärt, dass Hippolyth sich seiner Stiefmutter gegenüber daneben benommen hätte.  Während das Drama seinen Lauf nimmt, kommt die nun büßende Phädra –  diesmal im blutroten Reifenrock aus der Zeit von Schillers Übersetzung – auf die Bühne und verkündet, dass das tödliche Gift schon durch ihre Adern laufe. Dann führt sie einen sehr lauten und lächerlichen Slapstick-Totentanz auf (der ihr sicher viele blaue Flecken bereitet hat) bis endlich der Tod sie erlöst (und uns).  

Die Darstellung der Protagonisten passt zur uninteressanten und teilweise ironischen Regie von Stephan Kimmich. Entsetzliches Geschrei löste unverständliches Geflüster ab (man war dann und wann geneigt, auf die englischen Untertitel zu schielen, aber die waren, da weiß auf grau, auch nicht zu lesen).  Und das ewige Gerenne an die undurchdringlichen Mauern, stumpfte mit der Zeit deutlich ab.

Schiller hat diesen großartigen Text von Jean Racines Phèdre in weniger als einem Monat übersetzt – auf dem Totenbett sozusagen!

Schade!

 

Christa Blenk

 

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Jakob Lenz

Jakob lenz

 

Jakob Michael Reinhold Lenz (1751-1792) war ein deutscher Schriftsteller des Sturm und Drang, der als Dichter seiner Zeit voraus war und ein schwieriges bzw. schräges Leben führte. Georg Büchner hat einen Teil von Lenz’ Leben – den Besuch bei dem evangelischen Pfarrer Oberlin  in den Vogesen -  zu einem Drama verarbeitet, welches wiederum Quelle für Wolfgang Rihms Jugendwerk Jakob Lenz war. Wolfgang Rihm (*1952) hat die Oper Jakob Lenz 1978, 26-jährig, komponiert. Sie wurde 1979 uraufgeführt und zählt mittlerweile fast schon zu den Klassikern der zeitgenössischen Oper.

Andrea Breth hat das Werk 2014 bildgewaltig und expressiv  für Stuttgart inszeniert – als Koproduktion mit der Staatsoper Berlin und mit La Monnaie/De Munt (Brüssel).

Drei Protagonisten und ein sechsstimmiges Vokalensemble kommen zum Einsatz sowie ein Kammerorchester. Rihms Oper füllt sich mit vielen unterschiedlichen Musikstilen und läuft in 13 Bildern ins Verderben. Die Übergänge von einem Bild zum anderen werden durch einen Gauschleier vor der Bühne vollzogen, der wieder entschwindet, um die nächste Szene aus dem tristen Daseins von Lenz zu erzählen. Anfangs keimt immer wieder Hoffnung auf, die aber dann gleich wieder von der psychotischen Hölle verschlungen wird.

Jakob Lenz flüchtet vor unheimlichen Stimmen in eine unwirtliche Felsenlandschaft. Der brave Seelsorger und Psychologe Pfarrer Oberlin (Henry Waddington) nimmt den suizidgefährdeten Lenz bei sich auf – auf Anraten von Kaufmann. Lenz wird von Alpträumen verfolgt und immer wieder kommt die Erinnerung an Friederike auf, eine Frau, um die er gemeinsam mit Goethe warb. Lenz verliert sich immer mehr und es taucht Kaufmann auf. Er ist streng und kalt, und will ihn mit Disziplin auf den rechten, gesunden Weg zurückbringen. Er verwickelt ihn in ein ernstes Gespräch über Kunst und überbringt ihm die Botschaft seines Vaters, doch nach Hause zurückzukehren. Lenz kann nicht, will nicht, will lieber getröstet werden und flüchtet erneut ins Gebirge. Oberlin und Kaufmann dringen nicht mehr zu ihm durch und als er vergeblich versucht, ein totes Mädchen zum Leben zu erwecken, stürzt er endgültig in die geistige Umnachtung.  Er hört Stimmen, die Friederikes Tod ankündigen. Neonlampen verstärken die Trostlosigkeit.

Hoffnungslos verlassen ihn Beide und Lenz bleibt allein, in Zwangsjacke, verdreckt und verlassen auf einem Krankenbett zurück mit dem Wort konsequent auf den Lippen..

Hören Sie denn nichts, hören Sie denn nicht die entsetzliche Stimme der Stille, die um den ganzen Horizont schreibt, und die man gewöhnlich die Stille heißt“ (Büchner, Lenz, 1839)

Unterstrichen  und gestützt wird die Handlung von einer grandiosen Inszenierung, die Musik und Handlung hervorhebt. Es gibt keine Farben, nur grau, schwarz, weiß und manieristische Lichteinfälle. Überhaupt durchziehen viele Gemälde der letzten Jahrhunderte das Geschehen. Einmal liegt Lenz da zu Füßen von Oberlin wie eine flämische Grababnahme. In einer andereren Szene muss man an einen Passionsweg denken, den Caravaggio hätte malen können.

Michael Fröhling hat das Libretto nach Büchners Erzählung geschrieben.  Der hervorragende Bariton Georg Nigl (Lenz) gibt alle Töne von sich, die ein Mensch hervorbringen kann. Sprechen, Schreien, Flüstern, Quietschen, Lyrik in allen Lagen. Die Zuschauer werden permanent zwischen  Panik, Schrecken, Hoffnung, Mitleid, Milde, Wahnwitz und Widerwille hin – und hergerissen.  Übertreibung wird von Pathos und Gleichgültigkeit abgelöst.  Die Landschaft ist wildromantisch, felsig, schwierig zu bewältigen. Es ist dunkel oder Halbdunkel, Spiegel auf der Bühne betonen dieses Unwohlsein, und man stellt sich die Frage, wer wo ist und wo die Zerstörung gerade wütet. 

Großartige Aufführung und großartige Darbietung der Protagonisten. Am Pult vor nur einer Handvoll Musikern Franck Ollu. Das Bühnenbild hat Martin Zehetgruber gemacht.

Jakob Lenz ist ein Meisterwerk und dauert nur 80 Minuten sehr intensive Minuten die uns schon an die Grenzen kommen lassen.

 

lenz

Christa Blenk

 

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